Tipuri de genuri literare în formă. forme literare

FORMA DE ARTA

FORMA DE ARTA

Recrearea realității obiective și subiective în mijloacele expresive ale artei. În artă, există o reînnoire constantă a aparatului formal. În același timp, aici există o anumită aderență la tradiționalism. Alături de inovații, urmând pasiunile artiștilor, spectatorilor, cititorilor, ascultătorilor, urmărește un fel din cele mai universale forme, valoroase într-o serie de parametri - capacitate, concentrare, eleganță, rafinament etc. De exemplu, din vremea lui I.S. Formele lui Bach de fugă, cicluri polifonice etc. s-au păstrat aproape neschimbate.
Printre formele „tradiționale” în diverse tipuri de artă se numără: în literatură (poezie și proză) forma unui sonet, o romantism (romanțul spaniol al secolului al XVII-lea), o elegie, o odă, o poveste (așa-numita forme mici), o poveste, un roman, un ciclu literar în mai multe volume (J. Joyce, J. Galsworthy și alții). În artele vizuale, nu există mai puțină varietate: acuarele picturale și picturile mari, miniaturi grafice și mozaicuri la scară largă, portrete, caricaturi etc. În cinema și teatru: scurtmetraje și seriale uriașe, piese de teatru mici pentru unul sau doi actori și opere de mare amploare de tip tetralogie. Multe forme sunt, de asemenea, tradiționale pentru muzică: sonată, partită, simfonie, concerte pentru o varietate de instrumente, inclusiv concerte orchestrale.
H.f. poate fi înțeles în două moduri. În interpretarea restrânsă a lui H.f. este , subdivizat în părți, . Deci, în muzică, sonata este de obicei scrisă sub forma așa-numitului. sonata allegro, care include, asemenea, trei părți: o expunere a materialului tematic, dezvoltarea și reluarea acestuia. Fiecare dintre părți poate fi considerată mai detaliat - până la nivelul de analiză a celor mai mici oligoelemente. Continuând ilustrarea asupra materialului muzical, putem spune că chiar și o muzică atât de „mică” precum pitch-ul, criticul are dreptul să ia în considerare din punct de vedere. funcţia sa în raport cu intenţia artistică a operei. Împărțirea formei în niveluri micro și macro este necesară pentru o analiză profesională a „materialului de construcție” al artei și a principiilor formării acesteia.
Într-un sens larg, H.f. este un mijloc (sau un set de mijloace) cu ajutorul căruia se „formează” o operă de artă. Arta de a crea forme (excluzând doar arta creativă profesională) este întotdeauna arta de a forma conținut nou.
Arta formei este cel mai mare mister din întreaga fenomenologie a artei.
Viitorul lui H.f. pot fi asociate cu o caracteristică spațio-temporală (compresie finală – hipercreștere, hiperbolizare a monumentalismului – microminiaturizare, concizie extremă – serietate), cu expresivitate și calitate picturală sporită, uneori până la fuziunea lor completă, cu creșterea rolului de simbolizare. Viitorul creării formei determină în mare măsură viitorul artei în sine.

Filosofie: Dicţionar Enciclopedic. - M.: Gardariki. Editat de A.A. Ivina. 2004 .

Vedeți ce este „FORMĂ DE ARTĂ” în alte dicționare:

forma de arta- (lat. forma external view) organizare, structură internă și externă opera de artă, creat cu ajutorul mijloacelor expresive figurative pentru a exprima conținut artistic. Rubrica: Categorii estetice în literatură ......

I. Schiță istorică. Problema lui F. și S. este una dintre întrebările principale din istoria învățăturilor estetice, lupta dintre materialism și idealism, lupta dintre tendințele realiste și idealiste în artă. Problema lui F. și S. este legată organic... Enciclopedia literară

FORMA, formele, sotiile. (forma latină). 1. Vedere exterioară, contururi exterioare ale obiectului. Pământul este sferic. Da-i o forma curbata. Casă în formă de cub. „Nori albi, cu forme bizare, au apărut la orizont dimineața.” L. Tolstoi. || doar multe. Contur...... Dicţionar Uşakov

forma de arta- vezi forma de arta... Dicţionar terminologic-tezaur de critică literară

forma de arta- FORMA ARTISTICĂ este un concept care denotă unitatea constructivă a unei opere de artă, integritatea ei unică. Include conceptele de arhitectură, muzicală și alte forme. Există, de asemenea, spațiale și temporale ...... Enciclopedia Epistemologiei și Filosofia Științei

Vezi și: Ficțiune (publicare) Ficțiunea este o formă de artă care folosește cuvinte și construcții ca singur material limbaj natural. Specificitate fictiune este dezvăluit în ...... Wikipedia

Combinând arta cu industria. Distincția dintre arta pură și această artă aplicată a fost stabilită doar în timpuri moderne. Diferă prin anumite convenționalități; în multe cazuri este dificil de determinat unde se termină ......

FORM ARTISTIC- un ansamblu de tehnici si mijloace expresive figurative, un mod de exprimare a unui anumit continut. Forma „materializează” ideea artistică printr-un sistem de imagini artistice. O condiție necesară pentru existența unei opere de artă este ...... Înțelepciunea eurasiatică de la A la Z. Dicționar explicativ

Cuvântul vorbit (tradus din engleză: un cuvânt vorbit) este o formă de literatură, și uneori oratorie, o performanță artistică în care textul, poeziile, povestirile, eseurile sunt mai mult spuse decât cântate. Termenul este adesea folosit (în special ...... Wikipedia

Se poate spune fără exagerare că istoria bronzului artistic este în același timp istoria civilizației. Într-o stare brută și primitivă, întâlnim bronzul în cele mai îndepărtate epoci preistorice ale omenirii. Egiptenii, asirienii, fenicienii, ...... Dicţionar Enciclopedic F.A. Brockhaus și I.A. Efron

Forma de existență a artei este o operă de artă (operă de artă) ca un sistem de imagini artistice care formează un singur întreg. Reprezintă o realitate spirituală și materială care a apărut ca urmare a eforturilor creatoare umane, o valoare estetică ce întrunește criteriile artistice. Într-o operă de artă, într-o formă figurativă, simbolică, atât realitatea obiectivă, cât și lumea subiectivă a artistului, se reflectă viziunea lui asupra lumii, experiențele, sentimentele, ideile. Mijloacele de a exprima toată această diversitate este un limbaj aparte al artei. „O operă de artă este un efect complet, odihnindu-se în sine și existând pentru sine, și îl opune pe acesta din urmă, ca realitate independentă, naturii. Într-o operă de artă, forma de a fi există doar ca realitate de influență. O operă de artă, care percepe natura ca o relație între direcțiile motorii și impresiile vizuale, este eliberată de tot ce este schimbător și accidental.
Unul dintre cele mai importante principii ale creativității artistice și ale existenței unei opere de artă este principiul unității formei și conținutului. Esența acestui principiu este că forma unei opere de artă este legată organic de conținut și este determinată de acesta, iar conținutul apare doar într-o anumită formă.
Forma artistică (din lat. forma - aspect) - structura unei opere de artă, organizarea ei internă, întregul complex de mijloace expresive. Creată cu ajutorul mijloacelor figurative și expresive ale unui anumit tip de artă pentru a exprima conținutul artistic, forma indică întotdeauna mijloacele prin care conținutul este transmis într-o operă de artă. Conținutul, potrivit lui L.S. Vygotsky, este tot ceea ce autorul a considerat gata făcut, care a existat înainte de poveste și poate exista în afara și independent de ea. Conținutul este un element constitutiv necesar al unui obiect estetic. M.M. Bakhtin a scris în lucrarea sa „Problema conținutului, materialului și formei în creativitatea artistică verbală”: „Realitatea cunoașterii și a actului estetic, care, în recunoașterea și evaluarea sa, intră într-un obiect estetic și este supus aici unui anumit asociere intuitivă, individuare, concretizare, izolare și completare, i.e. design artistic cuprinzător cu ajutorul materialului, numim conținutul obiectului estetic. Cu alte cuvinte, conținutul este toate fenomene reflectate artistic ale realității în înțelegerea lor evaluativă.
Dependența formei de conținutul operei se exprimă în faptul că prima nu există fără a doua. Conținutul este sensul interior al unei anumite forme, iar forma este conținutul în ființa sa imediată.
Opoziţia conţinutului şi formei este caracteristică în primul rând stadiului creativităţii, adică. pentru formarea lor reciprocă, reciprocă, atunci când artistul înțelege ceea ce vrea să exprime într-o operă de artă și caută mijloace adecvate pentru aceasta. Într-o operă de artă terminată, forma și conținutul trebuie să constituie cu siguranță o unitate inseparabilă, armonioasă.
Vorbind despre unitatea de conținut și formă, nu trebuie subestimată importanța formei artistice ca forță expresivă. Nu întâmplător, în tradiția filozofică europeană încă de pe vremea lui Aristotel, forma a fost înțeleasă ca un principiu specific al unui lucru, esența și forța sa motrice. Conținutul unei opere de artă devine perceput emoțional, capătă semnificație estetică datorită realizării sale într-o formă artistică, care influențează astfel activ conținutul. Poate contribui la dezvăluirea cât mai completă și convingătoare a conținutului, dar poate, de asemenea, să interfereze cu exprimarea acestuia, să slăbească puterea impactului și, în consecință, percepția.
Dacă analizezi cu atenție o operă de artă, este destul de ușor să descoperi că toate elementele ei pot fi împărțite în formale și conținut. Elementele de conținut ale unei opere de artă includ tema, conflictul, ideea, personajele, intriga, intriga. Elementele formale ale unei opere de artă includ compoziția, genul, vorbirea și ritmul. Specificul limbajului artistic al diferitelor tipuri de artă determină importanța decisivă pentru acestea a elementelor formale individuale: în muzică - melodii, în pictură - culori, în grafică - desen etc. Forma operei trebuie să aibă unitate internă. Armonia, proporționalitatea elementelor sale - conditie necesara completitudine, perfecțiune, frumusețe a unei opere de artă.
Conținutul este întotdeauna structurat și exprimat numai în moduri caracteristice artei, adică. în esenţă inseparabil de formă. Este multistratificat și cu mai multe fațete. Cele mai înalte niveluri de conținut sunt ideea și tema care determină întreaga structură de conținut a lucrării.
Ideea este principalul sens figurativ și estetic. O idee artistică este întotdeauna originală și unică. Poate include idei filozofice, politice, științifice și alte idei, dar nu se limitează complet la acestea. Structura lucrării este foarte bogată, îmbinând atât aceste idei, cât și toată bogăția viziunii estetice asupra lumii. Arta este interesată nu numai de politică, filozofie, știință, ci și de întregul sistem de relații umane cu lumea, cu ceilalți oameni, cu sine. Aceste relații, reflectate de artă, se dovedesc a fi mai complexe și mai bogate decât sistemul celor mai profunde idei. Vom dezvălui uimitoarea poveste filozofică a lui Richard Bach „Pescăruşul Jonathan Livingston” şi vom găsi în ea o cantitate imensă de ideile filozofice: îmbunătățirea morală și fizică, căutarea sensului vieții și mentorat, singurătate și exil, moarte și înviere. Dar sensul acestei mici lucrări este mai larg decât oricare dintre aceste idei: în ea, sub forma unui pescăruș, se dezvăluie esența unui suflet uman neliniștit și agitat, aspirația eternă a unei persoane la cunoaștere, la perfecțiune, la găsirea adevăratului sens al vieții este arătată:
„Și cu cât Jonathan învăța mai profund lecțiile bunătății, cu atât vedea mai clar natura iubirii, cu atât își dorea mai mult să se întoarcă pe Pământ. Căci, în ciuda vieții sale de singurătate, Jonathan Seagull s-a născut pentru a fi profesor. El a văzut ceea ce era adevărat pentru el și a putut realiza dragostea doar dezvăluind cunoștințele sale despre adevăr altcuiva - cuiva care căuta și care avea nevoie doar de o șansă de a descoperi adevărul pentru el însuși.
Ideea Pescărușului, publicată ca o ediție separată la sfârșitul anului 1970, atrage mai mult de o generație de cititori în tărâmul etern al alegoriei. Așadar, Ray Bradbury a spus odată că această carte îi dă un sentiment de zbor și îi întoarce tinerețea.
Tema unei opere de artă (thema greacă - literalmente ceea ce se pune [ca bază]) este un obiect al unei imagini artistice, un cerc de fenomene de viață surprinse într-o operă și ținute împreună de ideea-problema a autorului. Tema este unul dintre cele mai importante elemente ale conținutului unei opere de artă. Ea indică cercul de fenomene care servesc Punct de start crearea unei opere de artă. De exemplu, tema romanului lui L. Tolstoi „Anna Karenina” este soarta tragică a relației dintre Anna și Vronski.
Pe lângă tema principală, lucrarea poate conține teme secundare care sunt strâns legate de tema principală, subordonate acesteia. De exemplu, alături de tema principală a relației dintre Onegin și Tatyana, în poemul „Eugene Onegin” de A.S. Pușkin există multe teme secundare: tema relației dintre Lensky și Olga, tema relațiilor parentale etc.
Tema este strâns legată de ideea lucrării. Împreună formează o singură bază ideologică și tematică a lucrării. Tema își găsește expresia ulterioară prin personaje, conflicte, intrigi. Acesta este următorul nivel de conținut inferior al unei opere de artă.
Caracterul este întruchiparea artistică a unui sistem de proprietăți distinctive ale unei persoane, care se manifestă în stima sa de sine, relațiile cu lumea exterioară și cu alți oameni, în circumstanțe de viață dificile și obișnuite. În funcție de direcția artei, personajele pot fi descrise în moduri diferite. Ele pot părea condiționate. Așa îi atrage realismul, demonstrând modul în care condițiile, evenimentele, fenomenele realității afectează formarea caracterului și manifestările sale. Astfel sunt eroii lui O. de Balzac, C. Dickens, J. Galsworthy. Caracterele pot fi văzute ca derivate din ereditate și caracteristici fiziologice, așa cum se face în naturalism (E. Zola, E. și J. Goncourt). Ei pot fi înfățișați ca idealizați și opuși întregii lumi înconjurătoare, adesea ostile. Așa sunt mulți romantici care desenează personaje. Iată cum M.Yu. Lermontov transmite personajul eroului în poemul „Corsarul”:
De atunci cu sufletul înșelat
Am devenit neîncrezător în toată lumea.
Oh! Nu sub acoperișul nativ
Eram atunci - și ofilit.
Nu am putut cu un zâmbet de umilință
De atunci, am transferat totul:
Ridicul, mândria, disprețul...
Nu puteam decât să iubesc cu mai multă pasiune.
Nemulțumit de mine însumi
Dorind să fiu calm, liber,
Am rătăcit adesea prin pădure
Și doar acolo a trăit cu sufletul său...
Cu toate acestea, fiecare artist adevărat, indiferent de direcția artei, se străduiește să înfățișeze personaje tipice în originalitatea lor individuală, să arate complexitatea dezvoltării lor, inconsecvența vieții lor interioare și căutările morale.
Conflict - o contradicție proiectată artistic în viața unei persoane, o ciocnire a diferitelor personaje, opinii, idei, interese etc. Rolul conflictului și originalitatea lui depind direct nu numai de aspectele reflectate ale realității, ci și de trăsăturile specifice și mijloacele de tipificare, tipurile și genurile de artă. De exemplu, în tragedie sau în pictura monumentală, conflictul se manifestă ca o reprezentare directă a luptei personajelor opuse, iar în versuri - ca o expresie emoțională a ciocnirii. diverse persoane si sentimente. Profunzimea conflictului, claritatea și completitudinea sa în forma artistică determină în mare măsură profunzimea impactului emoțional al operei de artă asupra subiectului perceput. Drept urmare, operele de artă de acele tipuri și genuri de artă care întruchipează cel mai profund conflictul dramatic au cel mai puternic impact asupra unei persoane.
Intriga (sujet francez - subiect literal) este o acțiune reprodusă în întregime. Intriga este dinamica spațio-temporală a celui descris, cursul evenimentelor într-o operă literară. Acesta este un set de evenimente exprimate în formă artistică. Intriga exprimă partea narativă a unei opere de artă, iar episoadele individuale, personajele și acțiunile eroilor sunt combinate organic în ea.
Intriga este ciudată tipuri variateși genuri de artă. Poate fi extins (în romane istorice, în epopee etc.), simplu (în pictură, grafică etc.). În versurile literare pot fi găsite arte plastice, muzică, lucrări fără intrigă sau practic fără intrigă (de exemplu, în abstractionism, în muzica instrumentală non-program, arhitectură). Cel mai evident complot din pictură. Intriga implică acțiune, mișcare, prin urmare, în acele opere de artă în care există o intriga, se dezvoltă de la intriga prin punctul culminant până la final. Intriga este strâns legată de intriga, dar nu coincide întotdeauna cu aceasta.
Intriga (din latinescul fabula - o fabulă, o poveste) este o schemă culturală și tipologică a principalelor evenimente, expuse în succesiunea lor cronologică. Acesta este un lanț sau o schemă de evenimente, care este descrisă în detaliu în complot. De exemplu, romanul lui N.G. Chernyshevsky „Ce să faci?” începe cu o descriere a dispariției misterioase a unuia dintre personaje, în timp ce intriga acestui roman (desfășurarea evenimentelor într-o secvență spațiu-timp) începe cu o descriere a vieții Verei Pavlovna în casa părintească. Intriga servește ca instrument auxiliar pentru dezvăluirea intrigii, ajutând la stabilirea succesiunii evenimentelor care se desfășoară și la înțelegerea obiectivelor pe care artistul le-a urmărit cu o construcție particulară a intrigii. Intriga este mai generală decât intriga.
Dacă ne întoarcem din nou la intriga, trebuie remarcat faptul că în lucrările epice mari, intriga, de regulă, este împărțită într-un număr de povești. Deci, în romanul lui M.Yu. Lermontov „Un erou al timpului nostru” există o serie de povești relativ independente (Bela, contrabandiști etc.), care sunt grupate în jurul poveste Pechorin.
După cum am menționat mai sus, mijlocul de exprimare și existența conținutului este forma. Procesul de modelare afectează conținutul prin compoziție, ritm, opoziție.
Compoziție (din latină compositio - adaos, compoziție) - construcția unei opere de artă, aranjarea sistematică și consecventă a elementelor și părților sale, modalitățile de conectare a imaginilor și totalitatea tuturor mijloacelor de dezvăluire a acestora. Compoziția este cel mai important element organizator al formei artistice, dând unitate și integritate operei, subordonându-i componentele între ele și întregului. Aceasta este ordonarea conștient semantică a lucrării. Sarcina compoziției este organizarea în integritate a elementelor disparate separate. Toate tehnicile compoziționale sunt determinate de conceptul ideologic al autorului, sarcina sa creatoare. Să ne uităm îndeaproape la tabloul lui P.A. Fedotov „Dimineața după o sărbătoare sau
Cavaler proaspăt. Intriga imaginii este luată din viață: un mic funcționar a primit prima comandă și a aranjat în camera lui pentru această ocazie. În dimineața de după băutură, „cavalerul proaspăt”, abia aruncându-și halatul pe umeri, și-a pus deja comanda și arătă-o către bucătarul său. Bucătarul, care nu împărtășește starea de bine a proprietarului, arată spre cizmele găurite. Ideea tabloului este largă: sărăcia spiritului birocratic, incapabil să se ridice deasupra aspirațiilor carieriste, bunul simț al servitorului, care este conștient de pretențiile comice ale proprietarului. Conturul ideologic al operei ajută la dezvăluirea compoziției. Poza este construită pe două figuri opuse una față de cealaltă: un oficial înghețat într-o ipostază mândră și un bucătar care exprimă sănătatea naturală a unei persoane simple. P.A. Fedotov umple camera din imagine cu un număr mare de lucruri care ne explică complotul și complotul: rămășițele sărbătorii de ieri, gunoaie pe jos, o carte aruncată pe jos, o chitară cu corzi rupte sprijinită de un scaun. de care atârnă o haină de maestru și bretele. O cușcă este vizibilă sub tavan, o pisică trezită se întinde. Toate aceste detalii sunt calculate pentru a crea cea mai strălucitoare imagine posibilă a unei încăperi în care totul este aruncat fără nicio atenție pentru decență. Aceasta este lumea unui oficial nesemnificativ, lipsit de gânduri înalte și de simțul frumuseții, dar care se străduiește să obțină succes.
Următorul element al formei este ritmul. Ritm (ritmul grecesc, de la rheo - flux) - alternarea diferitelor elemente proporționale (sunet, vorbire etc.), care apar cu o anumită secvență, frecvență. Ritmul ca mijloc de modelare în artă se bazează pe repetarea regulată în spațiu sau timp a unor elemente similare la intervale proporționale. Funcția ritmului este separarea și integrarea simultană a impresiei estetice. Datorită ritmului, impresia este împărțită în intervale similare, dar în același timp este integrată într-un set de elemente și intervale interdependente, adică. în integritatea artistică. Un ritm repetitiv stabil evocă în subiectul perceptor așteptarea repetării sale și experiența specifică a „eșecului”. Prin urmare, o altă funcție a ritmului este dinamica efectelor așteptării și surprizei. Mai mult, ritmul reflectă dinamica, spre deosebire de simetria, care reflectă statica. Dinamica ritmului contribuie la crearea unei structuri artistice care este cea mai adecvată structurii psihofizice a unei persoane, care este, de asemenea, dinamică și mobilă.
Ritmul are o importanță capitală în muzică, unde se manifestă ca o organizare temporală a intervalelor și consonanțelor muzicale. Potrivit lui Aristotel, ritmul în muzică este similar cu stările emoționale ale unei persoane și reflectă astfel de sentimente și proprietăți precum furia, blândețea, curajul, moderația. Începând din secolul al XVII-lea. în muzică s-a stabilit un ceas, un ritm de accent bazat pe alternanța accentelor puternice și slabe. Într-o poezie, ritmul denotă ordonarea generală a structurii sonore a vorbirii poetice, precum și structura sonoră reală a unei anumite linii poetice. În artele vizuale (pictură, grafică etc.) și arhitectură, ritmul se manifestă în diverse combinații de modele, culori, aranjare a coloanelor etc. În coregrafie, ritmul este combinația unei secvențe de mișcări ale corpului.
Stilul ocupă un loc special în modelare. Cu toate acestea, trebuie amintit că stilul nu este în forma sa pură nici formă, nici conținut, nici măcar unitatea lor. „Stilul se referă la formă, conținut și unitatea lor în același mod în care într-un organism viu „forma” și „conținutul” se referă la setul de gene din celulă. Stilul este „setul genetic” al culturii, care determină tipul de integritate culturală. Stilul (din grecescul stylos - un băț ascuțit pentru scris pe ceară, un mod de a scrie) este un sistem figurativ comun, mijloace de exprimare artistică, tehnici creative, datorită unității conținutului ideologic și artistic. Putem vorbi despre stilul unei anumite lucrări sau gen (de exemplu, stilul romanului rus de la mijlocul secolului al XIX-lea), despre stilul individual sau maniera creativă a unui anumit autor (de exemplu, despre stilul lui P . Picasso), precum și stilul unor epoci artistice întregi sau direcții artistice majore (stil gotic sau romanic, baroc, romantism, stiluri clasicism).
În estetica formalismului, stilul este adesea înțeles ca un comun de tehnici care nu are legătură cu conținutul lucrărilor. Astfel, istoricul de artă german Heinrich Wölfflin (1864-1945) în lucrarea sa „Conceptele de bază ale istoriei artei” împarte întreaga istorie a artei plastice în două stiluri: liniar și pictural.
O astfel de înțelegere formalistă a stilului duce la un transfer mecanic al trăsăturilor comune ale stilurilor arhitecturale și decorative la toate celelalte tipuri de artă, care au o bogăție și o varietate de conținut mult mai mare și, prin urmare, o varietate mult mai mare de stiluri.
Stilul nu este o unitate formală de mijloace și tehnici vizuale și expresive, ci comunitatea lor stabilă, determinată de conținutul ideologic. Stilul unei opere de artă nu este doar forma ei exterioară, ci, în primul rând, natura existenței sale materiale și spirituale în cadrul unei anumite culturi. Aceasta este o dovadă că un obiect estetic aparține unei anumite culturi. Stilul astfel înțeles nu trebuie confundat cu stilizarea. Stilizarea este o imitație intenționată stil artistic orice autor, gen, tendință, epocă, oameni. Stilizarea este adesea asociată cu o regândire a conținutului artistic care a stat la baza stilului imitat. Stilul îndeplinește multe funcții în procesul de creare și percepere a unei opere de artă. În creativitatea artistică, el dirijează procesul creativ într-o anumită direcție, asigură procesarea impresiilor disparate într-un singur sistem și ajută la păstrarea continuității în tradiția artistică. În procesul de percepție artistică a unei opere, stilul determină natura impactului operei asupra unei persoane, orientează publicul către un anumit tip de valoare artistică.
Stilul are o valoare informativă importantă. Raportează calitatea generală a lucrării. Autorul, creând o operă de artă, se concentrează întotdeauna pe privitor, cititor, ascultător, care este prezent invizibil în artă ca scop pentru care artistul creează. Subiectul care percepe are și autorul în minte: îi cunoaște numele, este familiarizat cu lucrările sale anterioare, îi înțelege priceperea și gustul artistic. Toate acestea reprezintă un fundal psihologic și un motiv motivant pentru percepția unei opere de artă. Punctul de întâlnire dintre autor și subiectul perceptor este stilul, care acționează ca dovadă a paternității, apartenenței unei epoci, naționalități, culturi, forme de artă. Stilul este un fel de nucleu al procesului artistic în ansamblu. Natura organică a stilului, unitatea sa incontestabilă cu întreaga structură formală și de fond a operei disting opere de artă cu adevărat mari.
Astfel, orice operă de artă poate fi reprezentată ca o realitate existentă în mod obiectiv, care are o înveliș material și o structură adecvate.

Un loc special într-o operă literară aparține stratului de conținut propriu-zis. Este legitim să o caracterizam nu ca o altă (a patra) latură a operei, ci ca substanță. Conținut artistic este o unitate de principii obiective și subiective. Aceasta este totalitatea a ceea ce i-a venit autorului din afară și i-a fost cunoscut (aproximativ subiecte arta, vezi p. 40–53), și ceea ce el exprimă și provine din opiniile sale, intuiția, trăsăturile de personalitate (despre subiectivitatea artistică, vezi pp. 54–79).

Termenul „conținut” (conținut artistic) este mai mult sau mai puțin sinonim cu cuvintele „concept” (sau „concept de autor”), „idee”, „sens” (după M.M. Bakhtin: „ultima instanță semantică”). W. Kaiser, care caracterizează stratul subiect al lucrării (Gnhalt), discursul său (Sprachliche Formen) și compoziția (Afbau) ca principale concepte de analiză, conținut denumit (Gehalt) conceptul de sinteză. Conținutul artistic este într-adevăr începutul de sinteză al lucrării. Acesta este fundamentul său profund, care este scopul (funcția) formei în ansamblu.

Conținutul artistic este întruchipat (materializat) nu în niște cuvinte, fraze, fraze separate, ci în totalitatea a ceea ce este prezent în lucrare. Suntem de acord cu Yu.M. Lotman: „Ideea nu este cuprinsă în niciun citat, chiar bine alese, ci este exprimată în întreaga structură artistică. Cercetătorul care nu înțelege acest lucru și caută o idee în citate individuale este ca o persoană care, după ce a aflat că o casă are un plan, ar începe să dărâme zidurile în căutarea unui loc în care acest plan este zidit. Planul nu este zidit în pereți, ci implementat în proporțiile clădirii. Planul este ideea arhitectului, structura clădirii este implementarea acesteia.

Subiect. În primul rând, temele sunt componentele cele mai esențiale ale structurii artistice, aspectele formei și tehnicile de susținere. În literatură, acestea sunt semnificațiile cuvintelor cheie, ceea ce este fixat de ele. În această tradiție terminologică, subiectul abordează (dacă nu este identificat) cu motiv. Aceasta este o componentă activă, evidențiată, accentuată a țesăturii artistice. O altă semnificație a termenului „temă” este esențială pentru înțelegerea aspectului cognitiv al artei: se întoarce la experimentele teoretice din secolul trecut și nu are legătură cu elementele structurii, ci direct cu esența operei ca un întreg. Tema ca fundament al creației artistice este tot ceea ce a devenit subiect de interes, de înțelegere și de evaluare a autorului (tema dragostei, morții, revoluției). Tema este un anumit cadru căruia îi sunt supuse toate elementele unei opere, o anumită intenție realizată în text.

Temele artistice sunt complexe și multifațetate. La nivel teoretic, este legitim să o considerăm ca o combinație de trei principii. Acestea sunt, în primul rând, universale ontologice și antropologice, în al doilea rând, fenomene culturale și istorice locale (uneori foarte mari) și, în al treilea rând, fenomene ale vieții individuale (în primul rând ale autorului) în valoarea lor intrinsecă.

Patos provine din viziunea artistului asupra lumii, din idealurile sale sociale înalte, din dorința sa de a rezolva probleme sociale și probleme morale modernitatea (după Belinsky). El a văzut sarcina principală a criticii în analiza lucrării și determinarea patosului acesteia. Dar nu orice opera de artă are patos. Nu există, de exemplu, în lucrările naturaliste care copiază realitatea și sunt lipsite de probleme profunde. Atitudinea autorului față de viață nu se ridică la patos în ei.

Conținutul patosului într-o lucrare cu o orientare ideologică veridică din punct de vedere istoric are două surse. Depinde atât de viziunea artistului asupra lumii, cât și de proprietățile obiective ale acelor fenomene ale vieții (acelor personaje și circumstanțe) pe care scriitorul le cunoaște, evaluează și reproduce. Datorită diferențelor lor semnificative, patosul afirmării și patosul negației în literatură dezvăluie și mai multe varietăți. Lucrarea poate fi eroică, tragică, dramatică, sentimentală și romantică, precum și umoristică, satirică și alte tipuri de patos.

Într-o operă de artă, în funcție de subiectul ei, uneori domină un tip de patos sau se găsește o combinație a diferitelor sale tipuri.

Patos eroic conține afirmarea măreției isprăvii unui individ și a întregii echipe, semnificația sa enormă pentru dezvoltarea poporului, a națiunii, a umanității. Subiectul patosului eroic în literatură este eroismul realității în sine - activitatea activă a oamenilor, datorită căreia sunt îndeplinite mari sarcini progresive la nivel național.

dramăîn literatură, ca și eroismul, este generat de contradicțiile vieții reale a oamenilor – nu doar public, ci și privat. Astfel de situații în viață sunt dramatice atunci când aspirațiile și cerințele sociale sau personale deosebit de semnificative ale oamenilor și, uneori, chiar viața lor, sunt sub amenințarea înfrângerii și morții din partea forțelor externe independente de ei. Astfel de prevederi provoacă experiențe corespunzătoare în sufletul unei persoane - frici profunde și suferință, agitație puternică și tensiune. Aceste experiențe fie sunt slăbite de conștiința de a avea dreptate și de hotărârea de a lupta, fie duc la deznădejde și disperare.

Tragedie situațiile din viața reală și experiențele pe care le provoacă trebuie luate în considerare în termeni de similitudine și în același timp în contrast cu dramatismul. Aflându-se într-o situație tragică, oamenii experimentează o tensiune spirituală profundă și agitație, provocându-le suferințe, adesea foarte severe. Dar această agitație și suferință sunt generate nu numai de ciocnirile cu unele forțe externe care amenință cele mai importante interese, uneori însăși viața oamenilor și provoacă rezistență, așa cum se întâmplă în situații dramatice. Tragedia situației și a experiențelor constă în principal în contradicțiile interne și lupta care apar în mintea, în sufletul oamenilor.

patos satiric- aceasta este cea mai puternică și ascuțită negare batjocoritoare cu indignare a anumitor paznici viata publica. O evaluare satirică a personajelor sociale este convingătoare și adevărată din punct de vedere istoric doar atunci când aceste personaje sunt demne de o asemenea atitudine, când au asemenea proprietăți care evocă o atitudine negativă, batjocoritoare a scriitorilor. Numai în acest caz, batjocura exprimată în imaginile artistice ale lucrărilor va evoca înțelegere și simpatie în rândul cititorilor, ascultătorilor, privitorilor. O astfel de proprietate obiectivă a vieții umane, care provoacă o atitudine batjocoritoare față de ea, este comedia ei.

atitudine plină de umor la viaţă multă vreme nu puteau distinge de o atitudine satirică. Numai în epoca romantismului criticii literari și reprezentanții gândirii estetice și filozofice l-au recunoscut ca un tip aparte de patos. Umorul, ca și satira, apare în procesul de generalizare a înțelegerii emoționale a inconsecvenței interne comice a personajelor umane - discrepanța dintre golul real al existenței lor și pretențiile subiective de semnificație. La fel ca satira, umorul este o atitudine batjocoritoare față de astfel de personaje de către oameni care pot înțelege inconsecvența lor internă. Umorul este, de fapt, râsul față de contradicții comice relativ inofensive, adesea combinate cu milă față de oamenii care manifestă această comicitate.

Patos sentimental- aceasta este tandrețea spirituală, cauzată de conștientizarea virtuților morale în caracterele persoanelor care sunt umilite social sau asociate cu un mediu privilegiat imoral. În operele literare, sentimentalismul are atât orientare de afirmare, cât și orientare despre.

Așa cum tragedia situațiilor și experiențelor ar trebui luată în considerare în raport cu drama, la fel patos romantic trebuie considerată în raport cu sentimentalul – prin asemănare şi în acelaşi timp prin contrast. Proprietăți generale romantismul și sentimentalismul se datorează faptului că baza lor este un nivel înalt de dezvoltare a conștientizării emoționale de sine a personalității umane, reflexivitatea experiențelor sale. Sentimentalitatea este o reflectare a tandreței, adresată modului de viață învechit, stins, cu simplitatea și integritatea sa morală a relațiilor și experiențelor. Romantism- acesta este un entuziasm spiritual reflexiv, adresat unuia sau altuia ideal „superpersonal” sublim și încarnărilor sale.

1. Forma artistică și compoziție.

Ca parte a formei care poartă conținutul, se disting în mod tradițional trei laturi, trebuie să fie prezent în orice operă literară.

• subiect(subiect-pictorial) start, toate acele fenomene și fapte individuale care sunt desemnate cu ajutorul cuvintelor și în totalitatea lor constituie lume operă de artă (există și expresii „lume poetică”, „ lumea interioara„lucrări, „conținut imediat”).
• Țesătura verbală reală a lucrării: discurs artistic, fixat adesea prin termenii „limbaj poetic”, „stilistică”, „text”.
• Corelația și aranjarea în produs a unităților de subiect și a „seriei” verbale, i.e. compoziţie. Acest concept literar este asemănător unei astfel de categorii de semiotică ca structură (raportul elementelor unui subiect organizat complex).

Distincția în lucrare a celor trei aspecte principale ale sale merge înapoi la retorica antică. S-a remarcat în mod repetat că vorbitorul trebuie să: 1) să găsească material (adică să aleagă un subiect care va fi prezentat și caracterizat prin vorbire); 2) aranjați (construiți) cumva acest material; 3) să o întruchipeze în astfel de cuvinte care să facă impresia potrivită asupra ascultătorilor. În consecință, vechii romani au folosit termenii inventar(invenția de obiecte), dispositio(locația lor, construcția), elocutio(decor, ceea ce însemna o expresie verbală strălucitoare).

Critica literară teoretică, care caracterizează o operă, în unele cazuri se concentrează mai mult pe compoziția subiect-verbală a acesteia (R. Ingarden cu conceptul său de „multi-nivel”), în altele - pe momentele compoziționale (structurale), care era caracteristică formalității. şcoală şi cu atât mai mult pentru structuralism . La sfârșitul anilor 1920, G.N. Pospelov, cu mult înaintea științei timpului său, a remarcat că subiectul poeticii teoretice are dubla caracter: 1) „proprietăți și aspecte separate” ale operelor (imagine, intriga, epitet); 2) „legătura și relațiile” acestor fenomene: structura lucrării, structura ei. Forma semnificativ semnificativă, după cum se poate vedea, are mai multe fațete. În același timp, subiect-verbal compus lucrările și ale lui constructie(organizarea compozițională) sunt inseparabile, echivalente, la fel de necesare.

1. Lumea artistică a operei. Componentele și detaliile subiectului imaginii: peisaj, interior. Caracter. Psihologism. Discursul personajului ca subiect al reprezentării artistice. Sistemul de caractere.

Lumea unei opere literare departe de a fi identic lumea scriitorului, care cuprinde, în primul rând, cercul de idei, idei, sensuri exprimate de el. Asemenea țesăturii și compoziției vorbirii, lumea unei lucrări este o întruchipare, un purtător de conținut artistic (sens), necesar mijloace mesajul lui către cititor. Este recreat în el prin vorbire și cu participarea ficțiunii obiectivitate. Include nu numai lucruri materiale, ci și psihicul, conștiința unei persoane și, cel mai important, persoana însăși ca unitate mentală și corporală. Lumea muncii constituie atât realitatea „materială”, cât și „personală”. În operele literare, aceste două principii sunt inegale: în centru nu se află „natura moartă”, ci o realitate vie, umană, personală (fie doar potențială).

Lumea operei este o fațetă integrală a formei sale (desigur, conținut). Este, parcă, între conținutul propriu-zis (sensul) și țesutul verbal (textul).

În alcătuirea unei opere literare se disting 2 semantici: lingvistică propriu-zisă, lingvistică, constituind zona obiectelor desemnate prin cuvinte, și profundă, de fapt artistică, care este sfera entităților cuprinse de autor și sensuri imprimate de el.

Conceptul de „lumea artistică a unei opere” (uneori denumit „poetic” sau „interioară”) a fost fundamentat de D.S. Lihaciov. Cele mai importante proprietăți ale lumii unei opere sunt non-identitatea acesteia cu realitatea primară, participarea ficțiunii la crearea ei, utilizarea de către scriitori a formelor de reprezentare nu numai reale, ci și condiționate. Într-o operă literară domnesc legi speciale, strict artistice.

Lumea unei opere este un stăpânit artistic și realitate transformată. El este cu mai multe fațete. Cel mai unitati mari lumea verbală și artistică - personajele care alcătuiesc sistemul și evenimentele care compun intrigile. Lumea include, mai departe, ceea ce este corect să numim componente figurativitatea (obiectivitatea artistică): acte de comportament ale personajelor, trăsături ale aspectului lor (portrete), fenomene ale psihicului, precum și fapte ale vieții din jurul oamenilor (lucruri prezentate în cadrul interioarelor; imagini ale naturii - peisaje). Totodată, obiectivitatea imprimată artistic apare atât ca ființă extraverbală indicată de cuvinte, cât și ca activitate de vorbire, sub formă de enunțuri, monologuri și dialoguri aparținând cuiva. În cele din urmă, o legătură mică și indivizibilă a obiectivității artistice este o singură Detalii(detalii) a ceea ce este descris, uneori evidențiate clar și activ de către scriitori și dobândind o semnificație relativ independentă.

Temă, problemă și idee.

Planul cursului

2. Tema unei opere literare.

3. Problema unei opere literare.

4. Ideea lucrării. Idee și patos.

1. O operă literară ca unitate integrală. Conținut și formă în literatură.

Integritate- o categorie de estetică care exprimă problemele ontologice ale artei cuvântului. Fiecare operă literară este un întreg de sine stătător, complet, nereductibil la suma de elemente și necompunebil în ele fără urmă.

Legea integrității presupune epuizarea subiect-semantică, completitudinea internă (completitudinea) și neredundanța unei opere de artă. Cu ajutorul intrării, compoziției, imaginilor etc. se formează un întreg artistic, complet în sine și extins în lume. Compoziția joacă un rol deosebit de important aici: toate părțile lucrării trebuie aranjate astfel încât să exprime pe deplin ideea.

Unitatea artistică, consistența întregului și a părților în lucrare au fost deja remarcate de către filosofii greci antici din secolul al IV-lea î.Hr. Platon și Aristotel. Acesta din urmă a scris în „Poetica” sa: „... Întregul este ceea ce are un început, mijloc și sfârșit”, „părți ale evenimentelor (Aristotel se referă la dramă) ar trebui să fie astfel compuse încât, cu o rearanjare sau eliminarea uneia dintre părțile, întregul a fost supărat, pentru asta, a cărui prezență sau absență este imperceptibilă, nu este o parte a întregului. Această regulă a esteticii este recunoscută și de critica literară modernă.

O operă de literatură este indecompusa la orice nivel. Fiecare imagine a eroului unui anumit obiect estetic, la rândul său, este percepută ca un întreg și nu împărțită în componente separate. Fiecare detaliu există datorită amprentei întregului întins pe el, „fiecare caracteristică nouă doar exprimă mai mult întreaga figură” (L. Tolstoi).

În ciuda acestui fapt, atunci când se analizează o lucrare, aceasta este încă împărțită în părți separate. O întrebare importantă este ce anume este fiecare dintre ele.

Problema compoziției unei opere literare, mai precis, a părților sale constitutive, a atras de multă vreme atenția cercetătorilor. Astfel, Aristotel, în Poetica sa, a făcut distincția între un anume „ce” (un obiect al imitației) și un anume „cum” (mijloc de imitare) în opere. În secolul al XIX-lea, G.V.F. Hegel a folosit conceptele de „formă” și „conținut” în raport cu arta.

În critica literară modernă există două tendinţe principale în stabilirea structurii unei opere. Prima pornește de la separarea unui număr de straturi sau niveluri într-o lucrare, la fel ca în lingvistică într-un enunț separat se poate distinge nivelul de sintactic fonetic, morfologic, lexical. În același timp, diferiți cercetători își imaginează în mod inegal atât setul de niveluri, cât și natura corelației lor. Așadar, M.M. Bakhtin vede în lucrare, în primul rând, două niveluri - „complot” și „complot”, lumea reprezentată și lumea imaginii în sine, realitatea autorului și realitatea eroului (Estetica verbală). creativitate - M., 1979, p. 7 - 181). MM. Hirshman propune o structură mai complexă, mai ales pe trei niveluri: ritm, intriga, erou; în plus, „vertical” aceste niveluri sunt pătrunse de organizarea subiect-obiect a operei, care în cele din urmă creează nu o structură liniară, ci mai degrabă o grilă care se suprapune operei de artă (Stilul unei opere literare // Teoria stiluri literare.Aspecte moderne de studiu - M., 1982, p. 257 - 300). Există și alte modele ale unei opere de artă, reprezentând-o sub forma unui număr de niveluri, felii.

A doua abordare a structurii unei opere de artă ia astfel de categorii generale ca conținut și formă ca o diviziune primară. (Într-o serie de școli științifice, ele sunt înlocuite cu alte definiții. Astfel, pentru Yu.M. Lotman și alți structuraliști, aceste concepte corespund „structură” și „idee”, pentru semiotică – „semn” și „sens”, pentru post-structuraliști – „text” și „sens”).

Astfel, în critica literară, alături de identificarea a două aspecte fundamentale ale unei opere, există și alte construcții logice. Dar este evident că abordarea dihotomică corespunde mult mai mult structurii reale a lucrării și este mult mai justificată din punct de vedere al filosofiei și metodologiei.

Conţinutși forma- categorii filozofice care sunt utilizate în diferite domenii ale cunoaşterii. Ele servesc la desemnarea aspectelor esențiale externe și interne inerente tuturor fenomenelor realității. Această pereche de concepte răspunde nevoilor oamenilor de a înțelege complexitatea obiectelor, fenomenelor, personalităților, diversitatea lor și, mai presus de toate, de a înțelege semnificația lor implicită, profundă. Conceptele de conținut și formă servesc pentru a distinge mental exteriorul de interior, esența și sensul de întruchiparea lor, de modalitățile de existență a acestora, adică corespund impulsului analitic al conștiinței umane. conţinutîn același timp, se numește baza subiectului, latura lui definitorie. Forma aceeași - aceasta este organizarea și aspectul obiectului, latura sa definită.

Forma astfel înțeleasă este secundară, derivată, dependentă de conținut și în același timp este o condiție pentru existența unui obiect. Natura sa secundară în raport cu conținutul nu înseamnă semnificația sa secundară: forma și conținutul sunt aspecte la fel de necesare ale fenomenelor ființei.

Formele care exprimă conținutul pot fi asociate (asociate) cu acesta în moduri diferite: un lucru este știința și filosofia cu principiile lor semantice abstracte, iar ceva complet diferit sunt fructele creativității artistice, marcate de predominanța singularului și unic individual.

În conceptele literare de „conținut” și „formă”, ideile despre laturile externe și interne ale unei opere literare sunt generalizate. De aici și naturalețea definirii limitelor formei și conținutului în opere: principiul spiritual este conținutul, iar întruchiparea sa materială este forma.

Ideile despre inseparabilitatea conținutului și formei operelor de artă au fost fixate de G.V.F. Hegel la începutul anilor 1810 - 1820. Filosoful german credea că concretețea ar trebui să fie inerentă „ambele părți ale artei, atât conținutul descris, cât și forma imaginii”, „este tocmai punctul în care acestea pot coincide și corespunde una cu cealaltă”. De asemenea, a fost semnificativ faptul că Hegel a asemănat opera de artă cu un singur „organism” integral.

Potrivit lui Hegel, știința și filosofia, care constituie sfera gândirii abstracte, „dețin o formă care nu este pusă prin ea însăși, exterioară ei”. Este legitim să adăugăm că conținutul de aici nu se schimbă atunci când este restructurat: același gând poate fi surprins în moduri diferite. Cu totul diferite sunt operele de artă, în care, așa cum a susținut Hegel, conținutul (ideea) și întruchiparea (sa) ei corespund reciproc pe cât posibil: ideea artistică, fiind concretă, „poartă în sine principiul și metoda manifestarea sa și își creează liber propria formă”.

Afirmații similare se regăsesc și în V.G. Belinsky. Potrivit criticului, ideea din opera poetului este „nu o gândire abstractă, nu o formă moartă, ci o creație vie, în care (...) nu există nicio trăsătură care să indice o cusătură sau aderență, nu există margine. între idee și formă, dar ambele sunt întregi și o singură creație organică ”(Belinsky V.G. Articole despre Pușkin. Art. 5 // Culegere completă de lucrări. În 13 vol. T. 7 - M., 1955. p. 312. ).

Un punct de vedere similar este împărtășit de majoritatea criticilor literari moderni. în care conţinut opera literară este definită ca esența ei, ființa spirituală și forma - ca mod de existență a acestui conținut. Conținutul, cu alte cuvinte, este „afirmația” scriitorului despre lume, o anumită reacție emoțională și mentală la anumite fenomene ale realității. Forma- acel sistem de tehnici și mijloace în care această reacție își găsește expresie, întruchipare. Simplificând oarecum, putem spune că conținutul este ceea ce scriitorul a vrut să spună cu opera sa, iar forma este modul în care a făcut-o.

Forma unei opere de artă are două funcții principale. Prima se desfășoară în cadrul întregului artistic, deci poate fi numită internă: este o formă de exprimare a conținutului. A doua funcție se regăsește în impactul lucrării asupra cititorului, deci poate fi numită externă (în raport cu lucrarea). Constă în faptul că forma are un impact estetic asupra cititorului, deoarece este forma care acționează ca purtătoare a calităților estetice ale unei opere de artă. Conținutul în sine nu poate fi frumos sau urât într-un sens strict, estetic - acestea sunt proprietăți care apar exclusiv la nivel de formă.

Știința modernă pornește de la ideea primatului conținutului asupra formei. În ceea ce privește o operă de artă, acest lucru este adevărat ca și pentru un proces creativ (scriitorul caută forma potrivită, chiar dacă pentru un conținut vag, dar deja existent, dar în niciun caz invers - nu creează mai întâi un „ formă gata făcută”, și apoi toarnă un conținut în ea) și pentru lucrare ca atare (trăsăturile conținutului determină și explică specificul formei). Totuși, într-un anumit sens, și anume în raport cu conștiința perceptivă, forma este primară, iar conținutul secundar. Deoarece percepția senzorială este întotdeauna înaintea reacției emoționale și, în plus, înțelegerea rațională a subiectului, în plus, servește ca bază pentru acestea, cititorii percep în lucrare mai întâi forma sa și abia apoi și prin aceasta - conținutul artistic corespunzător. .

În istoria esteticii europene au existat și alte puncte de vedere, afirmații despre prioritatea formei față de conținut în artă. Revenind la ideile filosofului german I. Kant, acestea au fost dezvoltate în continuare în lucrările scriitorului F. Schiller și reprezentanți ai școlii formale. În Scrisori despre educația estetică a omului, Schiller a scris că într-o lucrare cu adevărat frumoasă (cum sunt creațiile maeștrilor străvechi), „totul ar trebui să depindă de formă și nimic de conținut, pentru că doar forma afectează întreaga persoană ca un întreg, în timp ce conținutul afectează doar forțe separate. Conținutul, oricât de sublim și atotcuprinzător, acționează întotdeauna asupra spiritului într-un mod restrictiv, iar adevărata libertate estetică nu poate fi așteptată decât de la formă. Deci, adevăratul secret al artei maestrului constă în distrugerea conținutului cu forma ”(Schiller F. Sobr. lucrări în 7 vol. Vol. 6 - M., 1957, p. 325 - 326). Astfel, Schiller a exagerat o astfel de proprietate a formei ca independența sa relativă.

Astfel de opinii au fost dezvoltate în lucrările timpurii ale formaliștilor ruși (de exemplu, V.B. Shklovsky), care au propus în general înlocuirea conceptelor de „conținut” și „formă” cu altele - „material” și „recepție”. Formaliștii au văzut conținutul ca pe o categorie non-artistică și, prin urmare, au evaluat forma ca singura purtătoare a specificității artistice, considerată o operă de artă ca „suma” tehnicilor ei constitutive.

În viitor, în efortul de a sublinia specificul relației dintre conținut și formă în artă, criticii literari au propus un termen special conceput special pentru a reflecta inseparabilitatea fuziunii laturilor întregului artistic - " formă semnificativă". În critica literară rusă, conceptul de formă semnificativă, care nu este central în poetica teoretică, a fost fundamentat de M.M. Bakhtin în lucrările anilor 1920 (Bakhtin M.M. Works of the 1920s - Kiev, 1994, p. 283 - 284). El a susținut că forma artistică nu are sens în afara corelației sale cu conținutul, care a fost definit de om de știință ca fiind momentul cognitiv și etic al unui obiect estetic, ca realitate recunoscută și evaluată: „momentul conținutului” permite „să înțelegeți forma într-un mod mai semnificativ” decât în ​​mod aproximativ hedonist. Într-o altă formulare despre același lucru: forma de artă are nevoie de „semnificația extra-estetică a conținutului”. Folosind expresiile „formă semnificativă”, „conținut format”, „ideologie de formare a formei”, Bakhtin a subliniat inseparabilitatea și inseparabilitatea formei și conținutului. „În fiecare element cel mai mic al structurii poetice”, a scris el, „în fiecare metaforă, în fiecare epitet, vom găsi o combinație chimică de definiție cognitivă, evaluare etică și design finalizat artistic.”

Cuvintele de mai sus caracterizează în mod convingător și clar cel mai important principiu al activității artistice - instalarea pe unitate de conținut și formăîn operele create. Unitatea de formă și conținut pe deplin implementată face ca opera să fie integrală organic, ca și cum ar fi o ființă vie, născută și nu construită rațional (mecanic).

Alți cercetători au vorbit și despre faptul că conținutul artistic este întruchipat (materializat) nu în cuvinte, fraze, fraze individuale, ci în agregatul a tot ceea ce este prezent în lucrare. Deci, conform lui Yu.M. Lotman, „ideea nu este cuprinsă în niciun citat, chiar bine alese, ci este exprimată în întreaga structură artistică. Cercetătorul care nu înțelege acest lucru și caută o idee în citate individuale este ca o persoană care, după ce a aflat că o casă are un plan, ar începe să dărâme zidurile, căutând un loc în care acest plan este zidit. Planul nu este zidit în pereți, ci implementat în proporțiile clădirii ”(Lotman Yu.M. Analiza unui text poetic. - L., 1972, p. 37 - 38).

Cu toate acestea, cutare sau cutare element formal nu ar fi atât de semnificativ, oricât de strânsă ar fi legătura dintre conținut și formă, această legătură nu se transformă în identitate. Conținutul și forma nu sunt aceleași, sunt diferite, evidențiate în procesul de abstractizare și analiză a laturilor întregului artistic. Au sarcini diferite și funcții diferite. Adevăratul conținut al formei se dezvăluie doar atunci când diferențele fundamentale dintre aceste două laturi ale unei opere de artă sunt suficient realizate, când, în consecință, devine posibilă stabilirea unor relații și interacțiuni regulate între ele.

Astfel, într-o operă de artă, începuturile se disting formal-sens și conținut adecvat .

Conținutul artistic este o unitate de principii obiective și subiective. Aceasta este o combinație dintre ceea ce i-a venit autorului din afară și i-a fost cunoscut (subiectul artei), și ceea ce a exprimat și provine din punctele sale de vedere, intuiție, trăsături de personalitate.

Punctul de vedere asupra formei, la care aderă mulți oameni de știință moderni, a fost fundamentat de G.N. Pospelov, care a evidențiat „figurativitatea subiectului”, structura verbală, compoziția în texte artistice (Probleme de stil literar - M .. 1970, p. 80; Înțelegerea holistică și sistemică a operelor literare // Întrebări de metodologie și poetică. Culegere de articole - M. 1983, p. 154).

Conform acestui punct de vedere, împărtășit de mulți cercetători, alcătuirea formei care poartă conținutul distinge în mod tradițional trei laturi care sunt în mod necesar prezente în orice operă literară. „Acesta este, în primul rând, subiect(subiect-pictorial) start: toate acele fenomene și fapte singulare care sunt indicate cu ajutorul cuvintelor și în totalitatea lor constituie lumea unei opere de artă (există și expresii „lumea poetică”, „lumea interioară” a unei opere, „conținut direct”) . Aceasta, în al doilea rând, este țesutul verbal real al lucrării: discurs artistic, fixat adesea prin termenii „limbaj poetic”, „stilistică”, „text”. Și, în al treilea rând, aceasta este corelarea și aranjarea în lucru a unităților de subiect și „rânduri” verbale, adică compoziția (Khalizev V.E. Teoria literaturii. Ed. a 2-a - M., 2000, p. 156).

Accentul în lucrarea celor trei părți ale sale merge înapoi la retorica antică. S-a remarcat în mod repetat că vorbitorul trebuie să: 1) să găsească material (adică să aleagă un subiect care va fi prezentat și caracterizat prin vorbire); aranjați cumva (construiți acest material; 3) întruchipați-l în astfel de cuvinte care să facă o impresie potrivită asupra ascultătorilor (ibid., p. 156).

De remarcat că, luând punctul de vedere că două componente ale unei lucrări se disting – forma și conținutul – unii cercetători le disting oarecum diferit. Deci, în manualul T.T. Davydova, V.A. Pronin „Teoria literaturii” (M., 2003, p. 42, 44) afirmă: „Componentele de conținut ale unei opere literare sunt tema, personajele, împrejurările, problema, ideea”; „Componentele formale ale unei opere literare sunt stilul, genul, compoziția, discursul artistic, ritmul; continut-formal - intriga si intriga, conflict. Lipsa unei poziții unificate a criticilor literari se explică prin complexitatea unor fenomene culturale precum operele de artă.

Lumea unei opere literare este întotdeauna o lume condiționată creată cu ajutorul ficțiunii, deși realitatea îi servește drept material „conștient”. O operă de artă este întotdeauna conectată cu realitatea și, în același timp, nu este identică cu aceasta. V.G. Belinsky scria: „Arta este o reproducere a realității, creată, așa cum ar fi, o lume nou creată”. Creând lumea operei, scriitorul o structurează, plasând-o într-un anumit timp și spațiu. D.S. Lihaciov a remarcat că „transformarea realității este legată de ideea lucrării”60, iar sarcina cercetătorului este să vadă această transformare în lumea obiectivă. Viața este atât realitate materială, cât și viața spiritului uman; ceea ce este, ceea ce a fost și va fi, ceea ce este „posibil în virtutea probabilității sau a necesității” (Aristotel). Este imposibil de înțeles natura artei dacă nu se pune o întrebare filozofică, ce este - „lumea întreagă”, este acest fenomen integral, cum poate fi recreat? Până la urmă, cea mai importantă sarcină a artistului, după I.-V. Goethe, „stăpânește întreaga lume și găsește-o expresie”.

O operă de artă este o unitate internă de conținut și formă. Conținutul și forma sunt concepte indisolubil legate. Cu cât conținutul este mai complex, cu atât forma ar trebui să fie mai bogată. Varietatea conținutului poate fi judecată și după forma artistică.

Categoriile „conținut” și „formă” au fost dezvoltate în estetica clasică germană. Hegel a susținut că „conținutul artei este idealul, iar forma sa este o întruchipare figurativă senzuală”. În întrepătrunderea „idealului” și „imaginei” Hegel a văzut specificul creator al artei. Patosul principal al învățăturii sale este subordonarea tuturor detaliilor imaginii, și mai ales a subiectului, unui anumit conținut spiritual. Integritatea lucrării decurge din conceptul creativ. Unitatea unei opere este înțeleasă ca subordonarea tuturor părților sale, detalii față de idee: este internă, nu exterioară.

Forma și conținutul literaturii- „concepte literare fundamentale care generalizează în sine idei despre aspectele externe și interne ale unei opere literare și, în același timp, se sprijină pe categoriile filozofice de formă și conținut”. În realitate, forma și conținutul nu pot fi separate, pentru că forma nu este altceva decât conținut în ființa sa direct percepută, iar conținutul nu este altceva decât sensul interior al formei care i-a fost dată. În procesul de analiză a conținutului și formei operelor literare, exteriorul său și laturile interioare care sunt în unitate organică. Conținutul și forma sunt inerente oricărui fenomen al naturii și societății: fiecare dintre ele are elemente externe, formale și interne, semnificative.

Conținutul și forma au o structură complexă în mai multe etape. De exemplu, organizarea externă a vorbirii (stil, gen, compoziție, metru, ritm, intonație, rima) acționează ca formă în raport cu sensul artistic intern. La rândul său, sensul vorbirii este o formă de complot, iar intriga este o formă care întruchipează personaje și împrejurări și apar ca o formă de manifestare a unei idei artistice, un sens profund holistic al unei opere. Forma este carnea vie a conținutului.

Conținutul nu poate exista decât în ​​materie, sub formă. Orice schimbare de formă este în același timp o schimbare de conținut și invers. Diviziunea este plină de pericolul divizării mecanice (atunci forma este doar o coajă a conținutului). Studiul unei opere ca unitate organică de conținut și formă, înțelegerea formei ca conținut și conținutul ca format este o sarcină dificilă.

Concept pereche " conţinut şi formă” s-a impus ferm în poetica teoretică. Chiar și Aristotel a evidențiat în „Poetica” sa „ce” (subiectul imaginii) și „cum” (mijloacele imaginii). Forma și conținutul sunt categorii filozofice. „Formă pe care o numesc esența ființei fiecărui lucru”, scria Aristotel.

Ficțiunea este un set de opere literare, fiecare dintre acestea fiind un întreg independent.

Care este unitatea unei opere literare? Lucrarea există ca un text separat care are limite, parcă închise într-un cadru: un început (de obicei un titlu) și un sfârșit. Opera de artă are și un alt cadru, deoarece funcționează ca obiect estetic, ca „unitate” de ficțiune. Citirea unui text generează în mintea cititorului imagini, idei despre obiecte în întregime.

Lucrarea este încadrată, parcă, într-un dublu cadru: ca lume condiționată creată de autor, separată de realitatea primară, și ca text, delimitat de alte texte. Nu trebuie să uităm de caracterul ludic al artei, deoarece în același cadru scriitorul creează și cititorul percepe opera. Aceasta este ontologia unei opere de artă.

Există o altă abordare a unității lucrării - una axiologică, în care ies în prim plan întrebările dacă a fost posibil să se împace părțile și întregul, să se motiveze cutare sau cutare detaliu, pentru că ceea ce compoziție mai durăîntreg artistic (multi-liniaritatea intrigii, sistemul de ramificare a personajelor, schimbarea timpului și a locului acțiunii), cu atât sarcina scriitorului este mai dificilă.

Unitatea operei este una dintre problemele transversale din istoria gândirii estetice. Chiar și în literatura antică s-au dezvoltat cerințe pentru diverse genuri artistice, estetica clasicismului era normativă. O suprapunere interesantă (și logică) între textele „poeticului” Horațiu și Boileau, asupra căreia L.V. atrage atenția în articolul său. Chernets.

Horace a sfătuit:

Forța și farmecul ordinii, cred, constă în faptul că scriitorul Știe exact ce trebuie spus unde, și orice altceva – după, Unde ce se duce; ca să știe creatorul poeziei ce să ia, ce să arunce, Numai ca să nu fie generos cu cuvintele, ci și zgârcit și pretențios.

Boileau a susținut, de asemenea, necesitatea unei unități holistice a lucrării:

Poetul ar trebui să plaseze totul cu grijă,

Începe și se termină într-un singur flux pentru a fuziona Și, subordonând cuvintele puterii lor incontestabile, combină cu măiestrie părți disparate.

O fundamentare profundă a unității unei opere literare a fost dezvoltată în estetică. O operă de artă este un analog al naturii pentru I. Kant, deoarece integritatea fenomenelor se repetă, parcă, în integritatea imaginilor artistice: „Arta frumoasă este o astfel de artă, care în același timp ne apare prin natură. ." Fundamentarea unității unei opere literare ca criteriu al perfecțiunii sale estetice este dată în Estetica lui Hegel, în care frumosul în artă este „mai înalt” decât frumosul în natură, întrucât în ​​artă nu există (nu ar trebui să fie!) Detalii care nu sunt legate de o serie de detalii, ci de esența creativității artistice și constă în procesul de „curățare” a fenomenelor de trăsături care nu-și dezvăluie esența, în crearea unei forme corespunzătoare conținutului.

Criteriul unității artistice în secolul al XIX-lea. critici uniți din diferite direcții, dar în mișcarea gândirii estetice către „regulile vechi ale esteticii” cererea de unitate artistică, consistența întregului și a părților din lucrare a rămas inevitabilă.

Un exemplu de analiză filologică exemplară a unei opere de artă este „Experiența analizei formei” B.A. Larina. Remarcabilul filolog și-a numit metoda „analiza spectrală”, al cărei scop este „de a dezvălui ceea ce este „dat” în textul scriitorului, în toată profunzimea lui fluctuantă”. Să dăm ca exemplu elementele analizei sale a poveștii lui M. Sholokhov „Soarta unui om”:

„Iată, de exemplu, din amintirile lui (Andrey Sokolov) despre despărțirea de la gară în ziua plecării pe front: m-am desprins de Irina. El îi luă fața în mâini, o sărută, iar buzele ei erau ca gheața.

Care cuvânt semnificativ„smuls” în această situație și în acest context: și „a izbucnit” din îmbrățișarea ei convulsivă, șocat de neliniștea muritoare a soției sale; și „smuls” din familia natală, cămin natal, ca o frunză ridicată de vânt și dusă departe de ramură, copac, pădure; și s-a repezit, copleșit, tandrețe înăbușită - chinuit de o rană lacerată...

„I-am luat fața în palme” – în aceste cuvinte atât mângâierea grosolană a eroului „cu forță prostească” lângă soția sa mică și fragilă, cât și imaginea evazivă a rămas bun de la defunctul din sicriu, generată de ultimul. cuvinte: „... și buzele ei, ca gheața”.

Andrey Sokolov vorbește și mai puțin pretențios, ca și cum destul de stângaci, pur și simplu despre catastrofa sa mentală - despre conștiința captivității:

O, frate, nu este un lucru ușor de înțeles că ești în captivitate, nu din propria ta voință. Cine nu a experimentat asta în propria piele, nu vei intra imediat în suflet, astfel încât să ajungă omenește la el ce înseamnă acest lucru.

„A înțelege” aici nu înseamnă doar „a înțelege ceea ce nu a fost clar”, ci și „a asimila până la capăt, fără nicio umbră de îndoială”, „a se stabili prin reflecție în ceva esențial pentru liniștea sufletească”. Următoarele cuvinte selectiv nepoliticoase explică acest cuvânt într-un mod corporal tangibil. Prevăzut cu cuvintele, Andrey Sokolov pare să se repete aici, dar nu poți să o spui imediat în așa fel încât „în mod omenesc să se reducă” la fiecare dintre cei „care nu au experimentat asta în propria piele””

Se pare că acest pasaj demonstrează în mod clar rodnicia analizei lui Larin. Omul de știință, fără a distruge întregul text, folosește cuprinzător tehnicile atât ale metodelor lingvistice, cât și ale metodelor literare de interpretare, dezvăluind originalitatea țesăturii artistice a operei, precum și ideea „dată” în text de M. Sholokhov. Se numește metoda lui Aarin lingvistice şi poetice.

În critica literară modernă, în lucrările lui S. Averintsev, M. Andreev, M. Gasparov, G. Kosikov, A. Kurilov, A. Mikhailov, s-a stabilit o viziune asupra istoriei literaturii ca schimbare a tipurilor de artă. conștiință: „mitopoetică”, „tradiționalistă”, „individ-autor”, gravitând spre un experiment creativ. În perioada de dominare a tipului de conștiință artistică a individului-autor, se realizează o asemenea proprietate a literaturii precum dialogicitatea. Fiecare nouă interpretare a unei lucrări (în momente diferite, de către diferiți cercetători) este în același timp o nouă înțelegere a unității sale artistice. Legea integrității presupune completitudinea internă (plinătatea) întregului artistic.

Aceasta înseamnă ordonarea finală a formei unei opere în raport cu conținutul ei ca obiect estetic.

M. Bakhtin a susținut că forma de artă nu are sens fără legătura ei inseparabilă cu conținutul și a operat pe conceptul de „formă substanțială”. Conținutul artistic este întruchipat în întreaga operă. Yu.M. Lotman scria: „Ideea nu este cuprinsă în niciun citat, chiar bine alese, ci este exprimată în întreaga structură artistică. Cercetătorul uneori nu înțelege acest lucru și caută o idee în citate individuale; el este ca o persoană care, după ce a aflat că o casă are un plan, ar începe să dărâme zidurile în căutarea unui loc în care acest plan este zidit. . Planul nu este zidit în pereți, ci implementat în proporțiile clădirii. Planul este ideea arhitectului, iar structura clădirii este realizarea sa”.

O operă literară este o imagine holistică a vieții (în lucrări epice și dramatice) sau un fel de experiență holistică (în lucrări lirice). Fiecare operă de artă, conform lui V.G. Belinsky - „este o lume holistică, de sine stătătoare”. D.S. Merezhkovsky a acordat o mare apreciere romanului lui Tolstoi „Anna Karenina”, argumentând că „„Anna Karenina” ca întreg artistic este cea mai perfectă dintre lucrările lui L. Tolstoi. În „Război și lume” și-a dorit, poate mai mult, dar nu a reușit: și am văzut că unul dintre personajele principale, Napoleon, nu a reușit deloc. În „Anna Karenina” - totul, sau aproape totul, a reușit; aici, și numai aici, geniul artistic al lui L. Tolstoi a atins punctul culminant, la autocontrolul complet, până la echilibrul final între proiectare și execuție. Dacă vreodată a fost mai puternic, atunci, în orice caz, nu a fost niciodată mai perfect, nici înainte, nici după.

Unitatea holistică a unei opere de artă este determinată de intenția unui singur autor și apare în toată complexitatea evenimentelor, personajelor, gândurilor descrise. O adevărată operă de artă este o lume artistică unică, cu conținut propriu și cu o formă care exprimă acest conținut. Realitatea artistică obiectivată în text este forma.

Legătura inseparabilă dintre conținut și forma artistică este criteriul(Alt kgkegup grecesc - semn, indicator) arta operei. Această unitate este determinată de integritatea socio-estetică a operei literare.

Hegel a scris despre unitatea de conținut și de formă: „O operă de artă căreia îi lipsește o formă adecvată nu este, tocmai din acest motiv, o adevărată, adică operele sunt bune (sau chiar superioare), dar nu au o formă adecvată. Numai acele opere de artă în care conținutul și forma sunt identice sunt adevărate opere de artă.

Singura formă posibilă de întruchipare a conținutului vieții este cuvântul și orice cuvânt devine semnificativ artistic atunci când începe să transmită nu numai informații faptice, ci și conceptuale, subtextuale. Toate aceste trei tipuri de informații sunt complicate de informații estetice.

Conceptul de formă artistică nu trebuie identificat cu conceptul de tehnică de scriere. „Ce înseamnă să tăiați un poem liric,<...>pentru a aduce forma la posibilul ei har? Aceasta, probabil, nu este altceva decât a termina și a aduce la grația posibilă în natura umană propriul sentiment, acesta sau acel sentiment... A lucra la un vers pentru un poet este același lucru cu a-ți lucra sufletul ”, a scris Ya. .I. Polonsky. O opoziție poate fi urmărită în opera de artă: organizare („madeness”) și organicitate („naștere”). Amintiți-vă articolul de V. Mayakovsky „Cum să faceți poezie?” și replicile lui A. Akhmatova „Dacă ai ști din ce gunoaie crește poezia...”.

Într-una din scrisorile către F.M. Dostoievski transmite cuvintele lui V.G. Belinsky despre importanța formei în artă: „Voi, artiști, cu o singură linie, dintr-o dată, într-o imagine, expuneți însăși esența, astfel încât să fie o mână de simțit, astfel încât totul să devină deodată clar pentru cei mai neraționați cititor! Acesta este secretul artei, acesta este adevărul în artă.

Conținutul este exprimat prin toate părțile formei (sistem de imagini, intriga, limbaj). Astfel, conținutul operei apare în primul rând în relația personajelor (personajelor), care se regăsesc în evenimente (intrigă). Nu este ușor să obții o unitate completă de conținut și formă. A.P. a scris despre dificultatea acestui lucru. Cehov: „Trebuie să scrii o poveste timp de 5-6 zile și să te gândești la ea tot timpul în timp ce scrii... Este necesar ca fiecare frază să stea în creier timp de două zile și să fie unsă cu ulei... Manuscrisele lui toți adevărații stăpâni sunt murdari, tăiați de-a lungul și peste, uzați și acoperiți cu petice, la rândul lor tăiați...”.

Teoria literară

În teoria literară Problema conținutului și a formei este luată în considerare sub două aspecte: sub aspectul reflectării realității obiective, când viața acționează ca un conținut (obiect), iar o imagine artistică ca formă (o formă de cunoaștere). Datorită acestui fapt, putem afla locul și rolul ficțiunii într-o serie de alte forme ideologice - politică, religii, mitologie etc.

Problema conținutului și a formei poate fi luată în considerare și în ceea ce privește clarificarea legilor interne ale literaturii, deoarece imaginea care s-a dezvoltat în mintea autorului reprezintă conținutul unei opere literare. Aici vorbim despre structura internă a unei imagini artistice sau un sistem de imagini ale unei opere literare. O imagine artistică poate fi privită nu ca o formă de reflecție, ci ca o unitate a conținutului său și a formei sale, ca o unitate specifică de conținut și formă. Nu există deloc conținut, există doar conținut formalizat, adică conținut care are o formă definită. Conținutul este esența a ceva (cuiva) ceva. Forma este o structură, o organizare a conținutului și nu este ceva extern în raport cu conținutul, ci este inerent acestuia. Forma este energia esenței sau expresia esenței. Arta însăși este o formă de cunoaștere a realității.

Hegel scria în Logic: „Forma este conținut, iar în definiția sa dezvoltată este legea fenomenelor”. Formula filozofică a lui Hegel: „Conținutul nu este altceva decât trecerea formei, iar forma nu este altceva decât trecerea conținutului în formă”. Ea ne avertizează împotriva unei înțelegeri grosiere, simplificate, a unității complexe, mobile, dialectice a categoriilor de formă și conținut în general și în domeniul artei în special. Este important să înțelegem că granița dintre conținut și formă nu este un concept spațial, ci unul logic. Relația dintre conținut și formă nu este relația dintre întreg și părți, miez și înveliș, interior și exterior, cantitate și calitate, este relația contrariilor, care trec unul în celălalt. L.S. Vygotsky în cartea sa Psihologia artei analizează compoziția nuvelei lui I. Bunin Respirația ușoară și dezvăluie „legea psihologică de bază” a acesteia: despre turbiditatea lumească „în” o poveste despre respiratie usoara". El remarcă: „Adevărata temă a poveștii nu este povestea vieții confuze a unei școlari de provincie, ci respirația ușoară, un sentiment de eliberare și ușurință, reflectat ™ și transparența perfectă a vieții, care nu poate fi scoasă din evenimentele în sine”, care sunt conectate în așa fel încât își pierd povara lumească; „Permutările temporale complexe transformă povestea vieții unei fete frivole în suflarea ușoară a poveștii lui Bunin”. El a formulat legea distrugerii după forma conținutului, care poate fi ilustrată: chiar primul episod, care vorbește despre moartea Oliei Meshcherskaya, ameliorează tensiunea pe care cititorul ar experimenta când a aflat despre uciderea fetei, ca un rezultat al cărui punct culminant a încetat să mai fie un punct culminant, culoarea emoțională a episodului s-a stins. Era „pierdută” printre descrierea calmă a platformei, mulțimea de oameni și ofițerul care a venit, „pierdut” și cel mai important cuvânt „împușcat”: însăși structura acestei fraze îneacă împușcătura.

Distincția dintre conținut și formă este necesară în stadiul inițial al studierii lucrărilor, în stadiul analizei.

Analiză(analiza greaca - descompunere, dezmembrare) literar - studiul părților și elementelor lucrării, precum și a relațiilor dintre acestea.

Există multe metode analiza muncii. Cea mai fundamentată și universală teoretic este analiza care pleacă de la categoria „forme substanțiale” și dezvăluie funcționalitatea formei în raport cu conținutul.

Pe rezultatele analizei se construiește o sinteză, adică cea mai completă și corectă înțelegere atât a conținutului, cât și a originalității artistice formale și a unității acestora. Sinteza literară în domeniul conținutului este descrisă prin termenul „interpretare”, în domeniul formei – prin termenul „stil”. Interacțiunea lor face posibilă înțelegerea operei ca un fenomen estetic.

Fiecare element de formular are propriul „sens” specific. Forma nu este ceva independent; forma este, de fapt, conținutul. Percepând forma, înțelegem conținutul. A. Bushmin a scris despre dificultatea analizei științifice a imaginii artistice în unitatea conținutului și a formei: „Și încă nu există altă cale de ieșire, cum să se ocupe de analiză”, împărțirea „unității în numele ei ulterioare. sinteză."

Atunci când se analizează o operă de artă, este necesar să nu ignorăm ambele categorii, ci să le surprindem trecerea una în alta, să înțelegem conținutul și forma ca o interacțiune mobilă a contrariilor, uneori divergente, când se apropie, până la identitate.

Este potrivit să ne amintim poezia lui Sasha Cherny despre unitatea de conținut și formă:

Unii strigă: „Care este forma? Trivia!

Când nămolul este turnat în cristal -

Va deveni cristalul infinit mai jos?

Alții obiectează: „Proștii!

Și cel mai bun vin din vasul de noapte

Oamenii cumsecade nu vor bea.”

Ei nu pot rezolva disputa... dar este păcat!

La urma urmei, puteți turna vin în cristal.

Idealul analizei literare va rămâne întotdeauna un astfel de studiu al unei opere de artă care surprinde în cea mai mare măsură natura interpenetrării unității ideologice și figurative.

Forma în poezie (spre deosebire de forma proză) este goală, adresată simțurilor fizice ale cititorului (ascultătorului) și are în vedere o serie de „conflicte” care formează forma poetică, care poate fi:

• lexico-semantic:
• 1) un cuvânt în vorbire - un cuvânt în vers;
• 2) un cuvânt într-o propoziție - un cuvânt într-un vers (un cuvânt dintr-o propoziție este perceput în fluxul vorbirii, într-un vers tinde să fie subliniat);
• intonație-sunet:
• 1) între metru și ritm;
• 2) între metru și sintaxă.

În cartea lui E. Etkind „The Matter of Verse” există multe exemple interesante care conving de validitatea acestor prevederi. Iată una dintre ele. Pentru a dovedi existența primului conflict „un cuvânt în vorbire - un cuvânt în vers”, se ia opt versuri ale lui M. Țvetaeva, scris în iulie 1918. Textul său arată că pronumele pentru proză sunt o categorie lexicală nesemnificativă, iar în contexte poetice primesc noi nuanțe de sens și ies în prim-plan:

Sunt o pagină pentru stiloul tău.

Voi accepta totul. Sunt pagina alba.

Eu sunt păzitorul binelui tău:

Mă voi întoarce și mă voi întoarce de o sută de ori.

Sunt un sat, pământ negru.

Tu ești umiditatea mea de raza și ploaie.

Tu ești Domnul și Stăpânul, iar eu sunt

Cernoziom și hârtie albă.

Miezul compozițional al acestei poezii îl reprezintă pronumele de persoana I și a II-a. În strofa 1 se conturează opoziția lor: I - al tău (de două ori în versetele 1 și 3); în strofa a doua ajunge la deplină distincţie: Eu sunt tu, tu eşti eu. Tu ești la începutul versului, eu sunt la sfârșit înainte de o pauză cu un transfer ascuțit.

Contrastul „alb” și „negru” (hârtie – pământ) reflectă metafore apropiate și în același timp opuse una cu cealaltă: o femeie îndrăgostită este o pagină de hârtie albă; surprinde gândul celui care este Domn și Domn pentru ea (pasivitatea reflecției), iar în a doua metaforă – activitatea creativității. „Eul unei femei combină alb-negru, contrarii care se concretizează în genuri gramaticale:

Sunt o pagină (g)

eu sunt paznicul (m)

Sunt un sat, pământ negru (f)

Sunt pământ negru (m)

Același lucru este valabil și pentru al doilea pronume și combină contrastele materializate în genul gramatical:

Tu ești umiditatea mea de raza și ploaie.

Putem găsi, de asemenea, un apel nominal de cuvinte apropiate și în același timp opuse în astfel de cuvinte de fapt aproape, în comparație între ele, cum ar fi verbele: voi crește și În despre întoarcere și substantive: Domn și Stăpân.

Deci eu sunt tu. Dar cine se ascunde în spatele ambelor pronume? Femeie și bărbat - în general? Real M.I. Tsvetaeva și iubitul ei? Poetul și lumea Omul și Dumnezeu? Suflet și trup? Fiecare dintre răspunsurile noastre este corect; dar este importantă şi vagul poemului care, datorită ambiguităţii pronumelor, poate fi interpretat în diferite moduri, cu alte cuvinte, are o stratificare semantică”74.

Toate elementele materiale - cuvintele, propozițiile, strofele - sunt semantizate într-o măsură mai mare sau mai mică, devin elemente de conținut: „Unitatea de conținut și de formă - cât de des folosim această formulă care sună ca o vrajă, folosește-o, nu gândește-te la adevărata ei semnificație! Între timp, în raport cu poezia, această unitate are o specialitate importanţă. În poezie, totul, fără excepție, se dovedește a fi mulțumit - fiecare, chiar și cel mai nesemnificativ element al formei, construiește sens, îl exprimă: dimensiunea, locația și natura rimei, raportul dintre frază și linie, raportul dintre vocale și consoane, lungimea cuvintelor și propozițiilor și multe altele ... ”- notează E. Etkind.

Raportul „conținut – formă” în poezie este neschimbat, dar se schimbă de la un sistem artistic la altul. În poezia clasică, sensul unidimensional a fost propus în primul rând, asocierile erau obligatorii și lipsite de ambiguitate (Parnassus, Muse), stilul a fost neutralizat de legea unității stilului. În poezia romantică, sensul se adâncește, cuvântul își pierde neambiguitatea semantică, apar stiluri diferite.

E. Etkind se opune separării artificiale a conținutului și a formei în poezie: „Nu există conținut în afara formei, pentru că fiecare element al formei, oricât de mic sau exterior, construiește conținutul operei; nu există formă în afara conținutului, pentru că fiecare element al formei, oricât de gol, este încărcat cu o idee.

O altă întrebare importantă: de unde să înceapă analiza, cu conținutul sau cu forma? Răspunsul este simplu: nu contează. Totul depinde de natura lucrării, de obiectivele specifice ale studiului. Nu este deloc necesar să începem studiul cu conținutul, ghidându-ne doar de acela că conținutul determină forma. Sarcina principală în analiză este de a surprinde tranziția acestor două categorii una în alta, interdependența lor.

Artistul creează o lucrare în care conținutul și forma sunt două părți ale unui singur întreg. Lucrul asupra formei este în același timp muncă asupra conținutului și invers. În articolul „Cum să faci poezie?” V. Mayakovsky a vorbit despre modul în care a lucrat la o poezie dedicată lui S. Yesenin. Conținutul acestei poezii s-a născut chiar în procesul creării formei, în procesul materiei ritmice și verbale a versului:

Ai plecat ra-ra-ra într-o altă lume...

Ai plecat într-o altă lume...

Te-ai dus, Seryozha, într-o altă lume... - această linie este falsă.

Ai plecat irevocabil într-o altă lume - cu excepția cazului în care cineva a murit întorcându-se. Ai plecat, Yesenin, într-o altă lume - asta e prea grav.

Ai intrat, după cum se spune, într-o altă lume - designul final.

„Ultimul rând este adevărat, „cum se spune”, fără a fi o batjocură directă, reduce subtil patosul versului și, în același timp, elimină toate suspiciunile cu privire la credința autorului în toate prostiile vieții de apoi”, notează V. Mayakovsky. .

Concluzie: pe de o parte, vorbim despre lucrul formei versului, despre alegerea unui ritm, cuvânt, expresie. Dar Mayakovsky lucrează și la conținut. El nu alege doar dimensiunea, ci se străduiește să facă linia „sublimă”, iar aceasta este o categorie semantică, nu una formală. Înlocuiește cuvintele într-o linie nu doar pentru a exprima mai precis sau mai viu un gând pregătit dinainte, ci și pentru a crea acest gând. Schimbând forma (dimensiune, cuvânt), Mayakovsky modifică astfel conținutul versului (în cele din urmă, poemul în ansamblu).

Acest exemplu de lucru pe un vers demonstrează legea de bază a creativității: lucrul asupra formei este în același timp muncă asupra conținutului și invers. Poetul nu creează și nu poate crea separat formă și conținut. El creează o lucrare în care conținutul și forma sunt două laturi ale unui singur întreg.

Cum se naște o poezie? Fet a observat că opera sa s-a născut dintr-o rimă simplă, „umflandu-se” în jurul lui. Într-una dintre scrisorile sale, el a scris: „Întreaga imagine care apare într-un caleidoscop creativ depinde de accidente evazive, al căror rezultat este succesul sau eșecul”. Se poate da un exemplu care confirmă corectitudinea acestei recunoașteri. Un minunat cunoscător al creativității lui Pușkin S.M. Bondi a spus povestea ciudată a nașterii binecunoscutei linii Pușkin:

Pe dealurile Georgiei se întinde întunericul nopții...

Pușkin a scris inițial:

Totul este liniștit. Umbra nopții a căzut asupra Caucazului...

Apoi, după cum reiese din proiectul manuscrisului, poetul a tăiat cuvintele „umbra nopții” și a scris cuvintele „noaptea vine” deasupra lor, lăsând cuvântul „întins” fără nicio modificare. Cum să înțelegi asta? S. Bondi demonstrează că un factor aleatoriu a intervenit în procesul de creație: poetul a scris cuvântul „așterne” într-o scriere de mână scurtă, iar partea rotunjită, „bucla” nu a apărut în litera „e”. Cuvântul „întinde-te” semăna cu cuvântul „ceață”. Și acest motiv întâmplător, străin l-a determinat pe poet la o versiune diferită a versului:

Totul este liniștit. Întunericul nopții vine în Caucaz...

În aceste fraze, foarte diferite ca înțeles, a fost întruchipată o viziune diferită asupra naturii. Cuvântul întâmplător „întuneric” ar putea acționa ca o formă a procesului creativ, o formă a gândirii poetice a lui Pușkin. Acest caz particular dezvăluie legea generală a creativității: conținutul nu este pur și simplu întruchipat în formă; se naşte în ea şi se poate naşte numai în ea.

Crearea unei forme care să se potrivească cu conținutul unei opere literare este un proces complex. Este nevoie de un grad ridicat de pricepere. Nu e de mirare L.N. Tolstoi a scris: „Un lucru groaznic este această preocupare pentru perfecțiunea formei! Nu e de mirare că ea. Dar nu fără motiv atunci când conținutul este bun. Dacă Gogol și-ar fi scris comedia (Inspectorul general) grosolan, slab, nici măcar o milioneme dintre cei care o citesc acum nu ar fi citit-o. Dacă conținutul operei este „rău”, iar forma sa artistică este impecabilă, atunci există un fel de estetizare a răului, a viciului, ca, de exemplu, în poezia lui Baudelaire („Florile răului”) sau în Romanul lui P. Suskind „Parfumier”.

Problema integrității unei opere de artă a fost luată în considerare de G.A. Gukovski: „O operă de artă valoroasă din punct de vedere ideologic nu include nimic de prisos, adică nimic care nu ar fi necesar pentru a-și exprima conținutul, ideile, nimic, nici măcar un singur cuvânt, nici un singur sunet. Fiecare element al unei opere înseamnă, și numai pentru a însemna, el există în lume... Elementele unei opere în ansamblu nu constituie o sumă aritmetică, ci un sistem organic, constituie unitatea sensului său. Și pentru a înțelege acest sens ^ a înțelege ideea, sensul funcționează, ignorarea unora dintre componentele acestui sens este imposibil.

Principala „regula” a analizei unei opere literare este o atitudine atentă față de integritatea artistică, dezvăluind conținutul formei acesteia. O operă literară capătă o mare semnificație socială numai atunci când este artistică în forma sa, adică corespunde conținutului exprimat în ea.