Despre istoria gravurii. Gravura adâncă pe metal

Una dintre cele mai faimoase lucrări, în care se folosește o metodă unică de sculptură în metal - „Melancolia” a lui Albrecht Dürer. Ea este cel mai adesea asociată cu numele său, deoarece, de exemplu, „La Gioconda” este indisolubil legată de Leonardo da Vinci.

Măiestrie magnifică

Dar, în primul rând, merită să ne oprim asupra însăși grafica lui Dürer, conținutul gravurilor sale și tehnica măiestriei. Pentru că atunci când te uiți la gravurile lui, în lucrările care se numesc gravuri incisive pe cupru, surprinde incredibila perfecțiune tehnică a creatorului. Este incredibil de unic, complex și consumator de timp.

Dürer a fost cel care a creat această tehnică de gravură sculptată pe cupru. A luat o daltă, și-a pus mâna pe o pernă specială ca să o poată ține mult timp într-o anumită poziție. Și în timpul lucrărilor la capodoperele sale, el nu a condus de-a lungul plăcii de cupru cu o daltă, ci a mutat placa însăși la îndemână. Ulterior, a început procesul de gravare.

Este necesar să acordați atenție minunatelor sale lucrări „Rinocer”, „Melancolie”, „Cavalerul, Diavolul și Moartea”. Privind la ei, este imposibil să crezi că este posibil să faci asta în acest fel. Ce număr mare de rânduri! Și astăzi nimeni nu folosește gravurile pe cupru cu gravură, care a fost creată de Albrecht Dürer. Ea a venit cu acest maestru extraordinar și a plecat cu el.

Trei părți din cea mai magnifică creație a unui meșter priceput

Cea mai faimoasă gravură a lui Albrecht Dürer este Melancholia. A fost creat în anul o mie cinci sute paisprezece. Dacă te uiți la el foarte atent, vei observa că această gravură este linii orizontale este împărțit în trei niveluri.

Fiecare dintre ele reprezintă anumite etape ale cunoașterii. Artistul din această lucrare desemnează cu atenție toate aceste niveluri cu anumite atribute. Dacă te uiți suficient de atent la elementele care sunt descrise în nivelul inferior, poți vedea un set foarte interesant acolo.

Instrumente de artizanat sau un nivel înalt de creație de capodoperă

Fiecare unealtă din gravura „Melancolie” a lui Dürer, aflată la acest nivel, se referă la obiecte de artizanat: o rindelă, clești, un pătrat, un ciocan și cuie. Și cel mai impresionant lucru este mingea perfect în formă. El este cel care este un semn de foarte înaltă pricepere.

În epoca lui Albrecht, diverse învățături, abilități tehnice, capacitatea de a face ceva cu propriile mele mâini, cunoașterea anatomiei pe care o reprezintă animalul încolăcit în colțul din stânga gravurii, toate au necesitat cele mai înalte niveluri de educație.

În centrul tuturor acestor lucruri stă posesia unei abilități tehnice destul de minuțioase. Și orice unealtă din gravura „Melancolie” de Durer a subliniat prezența fiecăreia dintre aceste cunoștințe. Și dacă maestrul ar putea crea o astfel de sferă, atunci el are posibilitatea de a trece la următorul nivel de pregătire.

Albrecht Durer. "Melancolie". Ambarcațiuni de înaltă calitate sau următorul nivel de inteligență

La nivelul mediu, sunt vizibile o mare varietate de atribute. Și ei, la prima vedere, nu au nicio legătură unul cu celălalt. Îngerașul drăguț este ocupat să citească o carte. În același timp, se așează pe vârful pietrei de moară. După toate probabilitățile, acest băiat drăguț cu aripi mici reprezintă zona unui fel de dezvoltare intelectuală.

La cureaua robei personajului, care se află în dreapta îngerului, este prinsă o poșetă. Dar el stă întins la picioarele ei. Pentru că banii sunt o remunerație adecvată doar pentru munca specifică efectuată. Și este posibil dacă folosiți orice unealtă din gravura „Melancolie” de Dürer, care se află în partea de jos a imaginii, legată de măiestrie. Dar este imposibil de evaluat, nu are o plată adecvată, așa că portofelul se află și pe nivelul inferior.

Un cristal imens situat la nivelul mijlociu al produsului

Dar locul principal din a doua parte a imaginii este ocupat de un cristal uriaș. Aceasta este imaginea a ceea ce este scopul oricărui alchimist. În zilele vieții lui Albrecht, în epoca Evului Mediu târziu, priceperea unui artizan era judecată după arta de a crea o minge, iar cel mai înalt grad de cunoaștere intelectuală sau o persoană absolut învățată aparținea cuiva care cunoștea teorema. a savantului Ibn Sina despre suma unghiurilor unui poligon.

Însuși Albrecht Dürer era familiarizat cu această lege. „Melancholia” arată privitorului un cristal. El este figura poligonală care reprezintă teorema celebrului om de știință. Și în apropiere se află unealta geologului, care arată că o astfel de piatră poate fi obținută nu prin mijloace alchimice, ci mai natural. Și încă un instrument din gravura „Melancolie” de Durer este creuzetul alchimistului, unde are loc procesul de transmutare, situat puțin mai departe - în spatele cristalului.

Lucrarea care a cufundat întreaga lume în uimire

Și, în sfârșit, a treia centură este ceva incredibil. În partea dreaptă se vede un turn foarte mare care urcă și nu se termină niciodată. La fel și scara atașată de ea și care merge spre cer. Pe clădirea în sine, puteți vedea două obiecte remarcabile.

Acest clepsidră, care exprimă imaginea timpului, și masa magică a lui Dürer, unde cifra treizeci și doi este obținută atât pe verticală, cât și pe orizontală. Deasupra mesei este alarma, iar frânghia de la ea depășește conturul tabloului creat de Albrecht Dürer.

„Melancholia” prezintă spectatorului acest turn ca simbol al faptului că este imposibil să studiezi absolut toate adevărurile. Există lucruri care sunt nelimitate pentru cunoașterea minții umane. Și includ nu numai priceperea unei educații artizanale și intelectuale, ci și învățături magice.

În Germania, în galeria „Kunsthalle” se află gravura „Melancolie” de Dürer. La rezoluție înaltă, imaginile prezentate aici, desigur, nu vă permit să simțiți toată perfecțiunea operei autorului lucrării, care a cufundat întreaga lume în uimire. Dar, cu toate acestea, ei ajută la studierea acestei capodopere și la o analiză a acesteia.

O parte a lucrării referitoare la existența pământească

Lucrarea, pe care Albrecht Dürer a creat-o folosind tehnica cioplirii pe cupru, este pictura „Melancolie”, care reprezintă și peisajul pământesc, aflat în colțul din stânga sus al gravurii. Raze strălucitoare infinit de strălucitoare de la o stea îndepărtată. Există o legendă conform căreia este înfățișat aici, care a măturat cerul în acel moment.

Dar personajul principal este un liliac, care se referă la simbolul melancoliei. Ea în labele peste stea, curcubeu, apă și întregul peisaj poartă o hartă a acestei boli mintale a tuturor geniilor. Cunoașterea mare generează tristețe. Cu cât o persoană știe mai multe, cu atât vede mai adânc și se scufundă în melancolia neagră.

Imaginea geniului sau a melancoliei negre

Ultima figură arătată de Dürer este melancolia. Fotografia prezentată aici arată imaginea de geniu sau melancolie neagră creată de artist. Ea are aripi uriașe de o anvergură neobișnuită. Ca niște aripi de înger foarte mari. Și în mâinile ei ține o busolă.

Prin aceasta, Albrecht Dürer a vrut să clarifice că orice infinitate de cunoștințe trebuie dovedită, măsurată și verificată. Totul trebuie să fie sub control. Și pe capul figurii este un spin înflorit, care nu a zburat încă și nu se lovește în frunte cu vârfurile sale.

Și, poate, aceasta imagine a melancoliei, pe care artistul a arătat-o, cu o privire atât de tristă și unind atât de mult în sine, este unul dintre autoportretele sale, doar în imagine.

Albrecht Dürer este singurul dintre artiștii lumii care are un număr incredibil de autoportrete. Pe primul l-a desenat când era doar un băiat. Și apoi începe o serie de imagini nesfârșite cu el însuși, până la ultima, unde stă, arătând spre pancreas. Parcă s-ar autodiagnostica.

Iar această celebră gravură „Melancolie” de Albrecht Dürer exprimă, în primul rând, tema sorții. Și toate cunoștințele prezentate pe ea, cele trei niveluri de cunoaștere a științelor și pricepere, potrivit autorului, dau naștere în cele din urmă la melancolie. Trebuie să plătești un preț spiritual foarte mare pentru orice. Deci cel mai mare creator și-a transmis starea de spirit în această imagine.

Apariția gravurii s-a dovedit a fi o verigă în evoluția artelor plastice: gravura în lemn are originea din scânduri pentru fabricarea țesăturilor imprimate, gravura gravura se alătură artei bijuteriilor, iar gravura are ceva în comun cu meșteșugul armurierului. Calitatea gravurii care o deosebește de alte forme de artă este aceea că este o impresie pe hârtie. De aceea, locul de naștere al gravurii este locul de naștere al hârtiei - China.

Gravura în lemn și-a luat naștere în China cel târziu în secolul al VI-lea, cel puțin din acel moment există referiri la cărțile de gravură în lemn realizate în acest fel. Așa că ar fi existat multe presupuneri dacă nu ar fi fost descoperirea în 1900 la Donghuang (China de Vest) în peștera Miilor de Buddha a faimoasei „Diamond Sutra”, care acum este stocată în British Library. Este datat 868 și indică faptul că maestrul Wang Chi a tăiat scândurile și a tipărit cartea „de dragul comemorării părinților săi decedați”. De aceea și în dicționarul lui V.I. Xilografia lui Dahl se numește „modul chinezesc de tipărire”.

Așa că acum prima dată din istoria gravurii coincide cu prima dată din istoria tiparului. Cu toate acestea, pătrunderea gravurii în Europa a depășit cu puțin invenția tiparului de către Johannes Gutenberg.

Primele eșantioane de gravură vest-europeană, realizate în tehnica gravurilor în lemn tivite, au apărut la începutul secolelor XIV-XV. Erau de conținut religios, ceea ce a predeterminat răspândirea acestui „meșteșug”: la început a fost Bavaria, Alsacia, provinciile Sfântului Imperiu Roman; apoi au început să apară pliante satirice, calendare și alfabete. Prima gravură în lemn datată se numește „Sf. Christopher”, realizată în 1423. Pe la 1430, așa-numitul. cărți bloc, unde textul și ilustrația erau tipărite pe o singură tablă, iar din 1461 au început să fie folosite gravurile în lemn ca ilustrații pentru cărți tipărite.

Tehnica de gravură în lemn este destul de simplă: se aplică un model pe suprafața lustruită a unei plăci de aproximativ 2,5 cm grosime, după care liniile acestui model sunt tăiate pe ambele părți cu un cuțit ascuțit, iar fundalul este selectat cu un instrument special. la o adâncime de 2-5 mm. După aceea, placa poate fi rulată cu vopsea și imprimată pe hârtie.

Dacă înainte era vorba despre așa-numita gravură tăiată (realizată de-a lungul fibrelor de lemn), atunci în anii 1780, remarcabilul artist și gravor englez Thomas Bewick a inventat metoda de gravură finală pe lemn (pe o secțiune transversală a unui trunchi de lemn de esență tare). El însuși a creat multe capodopere ale acestui gen - ilustrații pentru Istoria generală a patrupedelor și Istoria păsărilor din Marea Britanie în două volume. În această tehnică, în secolul al XIX-lea au fost create o mulțime de ilustrații de carte, care, cu adăugarea unei plăci de al doilea ton, au fost numite politipuri. Cei mai mari reprezentanți ai acestei tehnici în Rusia au fost Lavrenty Seryakov și Vladimir Mate.

Arta gravurilor orientale în lemn se deosebește. Dacă mai devreme transmitea doar texte hieroglifice religioase, atunci în secolul al XVII-lea au apărut cărți ilustrate în Japonia, iar din anii 1660, gravuri cu conținut laic. Perioada de glorie a tipăririi japoneze în lemn datează din secolul al XVIII-lea, când Okumura Masanobu a introdus tipărirea în două și trei culori. Cel mai mare maestru al sfârșitului secolului al XVIII-lea este creatorul portretului feminin ideal Kitagawa Utamaro, iar în prima jumătate a secolului al XIX-lea creatorii de peisaje minunate Katsushika Hokusai și Ando Hiroshige.

Gravura de tăiere pe metal a apărut la mijlocul secolului al XV-lea. Multă vreme s-a crezut că inventatorul acestei tehnici a fost bijutierul florentin Mazo Finiguerra, a cărui primă gravură datează din 1458; dar această teorie a fost infirmată de specimene anterioare. Flagelarea lui Hristos, realizată de un maestru german necunoscut în 1446, este considerată a fi cea mai veche gravură pe cupru. Iar primul, deși anonim, cel mai remarcabil maestru al gravurii este „Master carti de joc”, care a lucrat la Basel și pe Rinul superior.

În acest caz, maestrul a luat o placă de metal forjată uniform și lustruită cu grijă, pe care a aplicat un desen folosind un pumn de bijuterii, care a fost apoi trecut cu o unealtă mai solidă - un tăietor sau gravor. După aceea, vopsea a fost frecată pe placă, excesul ei a fost îndepărtat și foaia a putut fi imprimată.

Cel mai remarcabil maestru al secolului al XV-lea este gravorul german Martin Schongauer, care a lucrat la Colmar și Breisach. Opera sa, care combină goticul târziu și Renașterea timpurie, a avut o influență semnificativă asupra maeștrilor germani, inclusiv asupra lui Albrecht Dürer. Dintre maeștrii primei jumătate a secolului al XVI-lea, de remarcat, pe lângă amintitul A. Dürer, remarcabilul Luca de Leiden.

Dintre maeștrii italieni ai secolului al XV-lea, Andrea Mantegna și Antonio del Pollaiolo sunt cei mai semnificativi. În aceeași Italia în secolul al XVI-lea, a apărut o direcție care a predeterminat o piatră de hotar importantă în dezvoltarea gravurii europene - aceasta a fost reproducerea picturilor.

Apariția gravurii de reproducere este asociată cu numele lui Marcantonio Raimondi, care, lucrând până la sfârșitul primei treimi a secolului al XVI-lea, a realizat câteva sute de reproduceri cu ajutorul unui tăietor din lucrările lui Dürer, Rafael, Giulio Romano și alții. .

În secolul al XVII-lea, gravura de reproducere era extrem de comună în multe țări - în Flandra, unde erau reproduse multe picturi, în special cele ale lui Rubens. În Franța în acest moment, Claude Mellan, Gerard Edelink, Robert Nanteuil și alții au contribuit la înflorirea reproducerii portretelor gravate.

Deoarece atât gravura pe lemn, cât și gravura pe cupru se aflau exclusiv în mâinile unor maeștri remarcabili, acestea erau lucrări complete, excelente, pline de expresivitate artistică și pitoresc, atunci în începutul XVI secolului, apare un alt tip de gravură pe metal, care a devenit un gen preferat pentru mulți artiști mari - aceasta este gravura.

Principalul său avantaj este ușurința de fabricare, ceea ce nu se poate spune nici despre gravură, nici despre gravuri în lemn. Faptul este că, dacă în cele două tehnici numite trebuie să tăiați manual linii pe lemn sau metal, atunci în gravare toată această muncă cea mai dificilă este făcută de acid. O placă de metal (în secolul al XVI-lea mai des fier, în secolul al XVII-lea cupru, mai târziu zinc), folosită pentru gravura obișnuită, este acoperită cu un grund special rezistent la acid. Pe tablă, cu ajutorul unui ac ascuțit de oțel, care pătrunde prin pământ moale, se aplică un model. După aceea, placa este plasată în acid azotic (cupru - într-o soluție de clorură ferică), iar modelul aplicat cu un ac este gravat la adâncimea dorită. După aceea, grundul este spălat de pe placă, vopseaua este frecată și se face o amprentă. În Rusia, gravarea anterioară prin gravură a fost numită gravura puternică cu vodcă.

Deosebit de celebre au fost gravurile maestrului francez din prima treime a secolului al XVII-lea, Jacques Callot, reproducând diverse scene, adesea elocvente. viața modernă. Școala flamandă a oferit arta unui excelent gravor - Anthony van Dyck, ale cărui portrete sunt exemple excelente ale iconografiei secolului al XVII-lea.

Dar, fără îndoială, cea mai valoroasă și integrală este școala olandeză de gravură, care în acest caz concurează cu pictura și nu este în niciun fel inferioară acesteia. Această școală este reprezentată de Adrian Van Ostade, Paul Potter, Hercules Segers... Dar maestrul principal aici este Rembrandt, care complet independent, fără ajutor din afară, a înțeles arta gravurii și a depășit toate dificultățile acestei tehnici capricioase. Rembrandt a lăsat peste trei sute de gravuri în multe condiții.

Aproximativ de la mijlocul secolului al XVIII-lea, așa cum sa întâmplat mai devreme cu gravura, a apărut o direcție separată de gravură de reproducere. Practic, toate ilustrațiile urâte și de carte din mijlocul a doua jumătate a secolului al XVIII-lea au fost realizate în această tehnică.

Dar dacă gravura de reproducere a fost un fel de producție de masă pentru secolul al XVIII-lea, atunci gravura originală a continuat să existe și a fost un „debuș” pentru mulți pictori. Sunt binecunoscute lucrările lui Francisco Goya, Giovanni Battista Tiepolo, Canaletto, Antoine Watteau, François Boucher și mulți alții. De remarcat este lucrarea arhitectului și gravorului Giovanni Battista Piranesi, care a fost, probabil, cel mai remarcabil gravor al acestui secol, care a lăsat multe volume de vorazh cu vederi ale Romei, antichităților romane și chiar temnițe.

Dacă în secolul al XIX-lea, sub influența noilor tehnici de tipărire, arta gravurii dispare, atunci până la sfârșitul secolului ea înflorește cu o vigoare reînnoită și nu mai are caracterul de „ilustrare”, ci este percepută de către contemporanii ca o integrală piesă de artă. Aproape toți pictorii francezi celebri apelează la gravură, începând cu pictorii Barbizon (Camille Corot, Charles-Francois Daubigny și alții) și terminând cu impresioniști (în special Edouard Manet). De asemenea, multe dintre țări aduc maeștri celebri în arta gravurii: Anders Zorn în Suedia, Adolf Menzel în Germania, James Whistler în SUA, Ivan Shishkin și Valentin Serov în Rusia.

Pe lângă gravura ca atare, acest tip de imprimare dobândește mai multe varietăți în secolul al XVIII-lea și, uneori, într-o singură lucrare putem observa o combinație de mai multe tehnici de gravare în același timp.

Cea mai comună dintre acestea este acvatinta - atunci când placa este gravată prin colofonia aplicată sau praful de asfalt. O astfel de gravare creează efectul unui model de tonuri în timpul imprimării, mai ales cu o imprimare într-o singură culoare asemănătoare grisaille. Adăugarea de acvatinte la o gravură clară, chiar uneori ascuțită, curată conferă gravurii un aspect pitoresc și seamănă cu un desen sau cu acuarelă. Printre primii care au început să folosească acvatinta a fost francezul Jean Baptiste Leprince - creatorul celebrelor „tipuri rusești”, precum și Francisco Goya, care a folosit-o în Caprichosul său.

Leprince a fost cel care a inventat o altă tehnică de gravare suplimentară - lavis. În acest caz, imaginea este aplicată cu o pensulă înmuiată în acid direct pe placă. Atunci când sunt tipărite, fragmentele de gravură executate de lavis sunt, parcă, un interval între o gravură pură și o acvatinta.

O altă tehnică de gravare la care vom acorda atenție este lacul moale. Când se folosește, grundul de gravare este amestecat cu grăsime (din această cauză rămâne mai ușor în spatele plăcii), după care i se aplică hârtie granulată, pe care artistul își aplică desenul cu un creion de duritate suficientă. Deoarece creionul creează o oarecare presiune, pământul de-a lungul liniei desenului se lipește de hârtie și apoi este îndepărtat împreună cu acesta. Placa rezultată, cu liniile desenului eliminate în acest fel, este supusă gravării obișnuite și apoi tipărită. Această metodă era cunoscută încă din secolul al XVII-lea, dar mai mult ca o curiozitate și și-a găsit aplicație abia în secolul al XIX-lea și, mai ales, în secolul al XX-lea. O gravură realizată în acest fel seamănă cel mai mult cu un desen cu cărbune sau sos. Cei mai faimoși maeștri ai lacului moale sunt Vladimir Falileev, Elizaveta Kruglikova și, desigur, Kathe Kollwitz.

Dacă tehnica lacului moale este destul de ascuțită și uneori chiar aspră, atunci așa-numitul stil creion a fost folosit pentru a reproduce desene în secolul al XVIII-lea. Aici, pe tabla de gravură pregătită, desenul este aplicat cu bandă de măsură specială, iar imprimarea rezultată poate fi adesea confundată cu un desen sanguin sau pastel. Cel mai mare număr de gravuri în creion au fost realizate în Franța la mijlocul secolului al XVIII-lea și reproduc în mare parte desenele lui Francois Boucher. Inventatorul acestei tehnici este Jean Charles François, care a fost apoi perfecţionată de Gilles Demarteau.

Liniile punctate se găsesc adesea în gravuri prin diferite tehnici de gravare. Între timp, aceasta este una dintre tehnicile antice de gravură, cunoscută atât în ​​ținuturile germane, cât și pe cele italiene încă de la sfârșitul secolului al XV-lea. Imaginea este aplicată pe placa de gravură cu ajutorul unui ciocan și a diferitelor unelte din oțel - pumni. Gravura cu puncte a înflorit în secolul al XVIII-lea, iar unul dintre cei mai talentați maeștri este Francesco Bartolozzi, care a lucrat mult în Anglia și l-a învățat pe primul gravor cu puncte rus Gavriil Skorodumov. În ceea ce privește linia punctată de gravare, acestea nu sunt, de fapt, doar linii, ci puncte realizate cu un ac de gravare.

Înainte de a trece la povestea gravurilor color, trebuie să vorbim despre încă o tehnică de gravură. Vorbim despre așa-numita manieră neagră, numită mezzotint. Maniera neagră are o caracteristică fundamentală: imaginea este aplicată și, în consecință, imprimată nu de la alb la negru (când cerneala umple canelurile de la tăietor sau modelul gravat), ci de la negru la alb. Tabla este mai întâi prelucrată cu o unealtă specială (cutter), iar dacă este tipărită în această formă, va ieși un imprimeu negru catifelat. Gravorul, în schimb, netezește zonele de care are nevoie, unde vopseaua nu se va lipi și unde imprimarea va avea ca rezultat pete luminoase. După cum se întâmplă adesea, perioada de glorie a manierei negre nu a avut loc acolo unde a fost inventată.

Inventatorul acesteia este olandezul Ludwig von Singen, care a finalizat prima sa gravură în această tehnică în 1642. Mezzotint în ținuturile germane și olandeze s-a dezvoltat până la mijlocul secolului al XVIII-lea; cam în același timp, a devenit cunoscut în Anglia, unde și-a primit răspândirea strălucitoare la mijlocul secolului al XVIII-lea și începutul secolului al XIX-lea, drept urmare, uneori, este numit chiar și maniera engleză. Dintre câteva dintre cele mai mari nume de maeștri ai acestei tehnici din Rusia, James Walker a devenit celebru - autorul multor portrete excelente.

Acum vom vorbi despre gravuri color. Ele, ca și gravurile clasice, pot fi realizate atât pe lemn, cât și pe metal. Sunt imprimate de pe mai multe plăci, ceea ce dă naștere de fapt la o imagine color.

Gravurile în lemn colorate au apărut chiar la începutul secolului al XVI-lea. Pentru o lungă perioadă de timp, gravorul italian de nord Ugo da Carpi a fost considerat inventatorul său: de atunci a fost posibil să-și breveteze invenția în Republica Veneția, el a anunțat acest lucru în 1516, numind tehnica de imprimare Chiaroscuro. Deși această tehnică a mai fost folosită în Europa: din 1506, gravurile color de pe mai multe plăci au fost tipărite de Lucas Cranach, apoi de Hans Burgkmair și alți artiști.

Și, deși Italia nu poate apăra dreptul de a inventa gravuri în lemn colorate, se poate mândri pe bună dreptate cu cele mai bune exemple ale acestei arte. Ugo da Carpi a fost cel care a creat compoziții excelente din originalele lui Rafael, precum și alți artiști italieni: Giulio Romano, Caravrgio, Parmigianino și alții. Deci secolul al XVI-lea ne-a dat cei mai buni maeștri ai clarobscurului; în secolul al XVII-lea, această tehnică în Italia a început să se estompeze și practic a degenerat până în secolul al XVIII-lea.

Reînvierea gravurilor în lemn colorate a început la sfârșitul secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Aici putem observa maeștri precum elvețianul Felix Vallotton, precum și ruși - Anna Ostroumova-Lebedeva, Vladimir Falileev și Ivan Pavlov.

În ceea ce privește gravura color pe metal, încă din secolul al XVI-lea remarcăm încercările sale timide, chiar mai corect să spunem experimente. Tocmai prin 1710, un locuitor al Olandei, Jacques Christophe Leblon, s-a ocupat de imprimarea unei foi colorate de pe mai multe plăci. Inițial, a fost gravor în negru și, rămânând un susținător al tipăririi în trei culori, a folosit trei plăci de mezzotint cu culori diferite pentru aceasta.

Dar toate experimentele cu gravura color bazată pe mezzotint s-au dovedit a fi de puțin succes. Și numai în Franța, odată cu utilizarea plăcilor de gravură realizate în acvatint și lavis, gravarea color începe să existe pe deplin. În acest domeniu a lucrat și Jean-Baptiste Leprince, un adevărat devotat și testator al tablei de gravură. Dar invenția gravurii lavis colorate i-a aparținut lui François Jeanine și atinge cea mai înaltă perfecțiune în mâinile lui Louis Philibert Debucourt, care din 1785 s-a dedicat în întregime gravurii color. Numărul de scânduri din gravurile sale color a ajuns la opt. Gravurile franceze colorate din această perioadă sunt în cea mai mare parte remarcabile și valoroase.

Dar toate cele mai dificile tehnici ale secolului al XVIII-lea - mezzotints, gravuri complexe și gravuri - la începutul secolului al XIX-lea au fost supuse unei lovituri severe: germanul Johann Alois Senefelder a inventat în jurul anului 1798 la München complet. Metoda noua tipar – litografie. Aceasta este o metodă legată de imprimarea plată, bazată pe respingerea grăsimilor din apă. Imprimările se obțin prin transferul de cerneală sub presiune de pe o placă de imprimare - piatră litografică (calcar) - pe hârtie. Imaginea este aplicată pe piatră cu cerneală uleioasă sau cu un creion litografic. Mai mult decât atât, tirajul cu această metodă de tipărire putea depăși de multe ori toate metodele de tipărire care existau la acea vreme din punct de vedere al numărului de tipărituri.

În 1806, Senefelder a deschis primul atelier de litografie la München, și a publicat un manual de litografie în 1818, iar în primul sfert al secolului al XIX-lea au fost lansate ateliere similare în aproape toate marile capitale europene. Acest lucru, desigur, a fost facilitat de revoluția industrială, datorită căreia o metodă atât de ușoară, relativ ieftină și în același timp replicabilă a devenit atât de populară.

Printre primii litografi, pe lângă Senefelder însuși, de altfel, deloc artist, ci actor și autor de piese muzicale, se remarcă numele celebrilor artiști germani Franz Kruger și Adolf von Menzel. De asemenea, Francisco Goya, Theodore Gericault și Eugene Delacroix s-au orientat către litografie.

Litografia la mijlocul secolului al XIX-lea a devenit un instrument politic ascuțit. În acest context, este prezentat cel mai mare maestru al litografiei, caricaturistul francez Honore Daumier, a cărui artă a avut o rezonanță atât de mare încât chiar și în Rusia din a doua jumătate a secolului au lucrat câțiva litografi-caricaturiști importanți: Alexander Lebedev, Pyotr. Boklevsky, Nikolai Stepanov.

În ceea ce privește litografii ruși din prima jumătate a secolului al XIX-lea, atunci, precum și în străinătate, această nouă artă a fost frecventată în principal de artiști ruși importanți - Alexei Orlovsky, Orest Kiprensky, Alexei Venetsianov. Cel mai mare litograf rus din acea vreme a fost Karl Petrovici Beggrov.

Datorită activității sale editoriale de amploare, Vasily Timm a devenit celebru, lăsând multe sute de coli de diferite calități, dar extrem de curioase ca conținut, transformându-se adesea în caricaturi. Litografia în Rusia a fost, de asemenea, prima metodă de imprimare color. În această tehnică, excelentul maestru Ignatius Shchedrovsky a publicat în 1845 „Scene din viața populară rusă”.

În legătură cu litografia, apar multe varietăți de tipărire plată, în special pentru imaginile color care au fost cele mai solicitate în ultima treime a secolului al XIX-lea și începutul secolului al XX-lea. Aceste tehnici se îndepărtează treptat de opera direct originală a artistului, care se numește acum autolitografie, și trec în categoria graficelor de mare circulație. Deși acum, la începutul secolului al XXI-lea, multe lucrări tipărite chiar și de mare tiraj par a fi exemple minunate de artă grafică.

Vom încerca să enumerăm câteva dintre ele. Cea mai solicitată dintre tehnici a fost cromolitografia. În acest caz, pentru fiecare culoare a imaginii, a fost realizată o placă de imprimare separată - o piatră (mai târziu - o placă de zinc), cu toate acestea, odată cu inventarea fotografiei, aceste metode intensive de muncă au fost rapid înlocuite cu metode fotomecanice de transfer al imaginea pe placa de imprimare. Așa a apărut fotolitografia, care în imprimarea finală practic nu diferă de cromolitografie.

În final, vrem să spunem mai multe despre metodele fotomecanice de realizare a plăcilor de imprimare. Unele dintre aceste tehnici sunt aproape imposibil de distins de tehnicile originale de imprimare. S-au dezvoltat după ce Louis Daguerre a anunțat, în 1839, în cadrul Societății Regale, că a descoperit o metodă de obținere a imaginilor pe straturi fotosensibile, pe care a numit-o dagherotip și acum numită fotografie.

Zincografia a fost cea mai răspândită în prima jumătate a secolului XX. În acest caz, imaginea este aplicată pe formă nu de către artist, ci prin transfer fotografic pe o placă de zinc, care este apoi gravată în acele zone ale imaginii în care trebuie selectat grundul plăcii de zinc. Zincografia a fost inventată pentru prima dată în Franța în 1850 și a fost numită zhillotyping după inventatorul său.

Cu ajutorul zincografiei, în timpul tipăririi sunt transmise atât desenele în linie, cât și imaginile multicolore (în special copiile din gravuri în lemn), dar această metodă nu poate transmite o imagine de ton. Merită spus că unii artiști, în evoluția experimentelor lor privind metodele de imprimare, s-au încercat în zincografia originală.

Faptul că o tehnică atât de convenabilă pentru imprimarea imaginilor nu permite transferul imaginilor în ton a forțat mulți tipografi și ingineri talentați să muncească din greu, ceea ce a dus la inventarea rasterului în anii 1880 și, odată cu acesta, la o nouă tehnică de imprimare tipar - autotip. Dicționarul Brockhaus și Efron numește autotiparea „una dintre modalitățile de a transforma un manuscris, un desen sau o fotografie într-un clișeu pentru tipărire”. A fost inventat simultan în Rusia și Germania. În acest caz, imaginea de ton este aplicată pe placa de zinc prin intermediul unei grile raster, care împarte tonurile în puncte mici, distribuite uniform; astfel, dimensiunea punctului va depinde de tonul din acea locație specifică din original. Adică, în locuri luminoase, punctele vor fi cu greu vizibile, dar în locuri întunecate, dimpotrivă, sunt mari și aproape se îmbină.

Ca și în cazul altor metode de imprimare, autotiparea a devenit în cele din urmă culoare. Vine în trei culori (cu trei clișee) și patru culori (respectiv cu patru), iar mașinile moderne realizează uneori cinci straturi colorate. Pentru un transfer mai bun al imaginilor monocromatice, se folosește uneori autotipul duplex, unde un clișeu este principalul, iar al doilea este unul suplimentar, cu un ton moale - albastru sau căpriu.

O altă metodă de transmitere fotomecanică a originalului este fototipul. Inventat în 1855 de chimistul francez Alphonse Poitevin, s-a dovedit a fi, deși nu la fel de utilizat, spre deosebire de zincografie, cromolitografie și autotip, cu toate acestea, a făcut posibilă transmiterea originalelor artistice complexe cu o mare acuratețe. Această caracteristică a fototipului a făcut ca istoricul gravurului Dmitri Alexandrovich Rovinsky să publice atlase cu toate gravurile lui Rembrandt și Van Ostade în tehnica fototipului.

Și, în sfârșit, vrem să vorbim despre heliogravură. Această metodă de imprimare este foarte apropiată de gravare, dar înainte de gravare, imaginea este aplicată pe placă printr-o metodă fotomecanică. Este destul de neproductiv, dar copiile realizate cu acesta din gravuri și gravuri clasice pot fi ușor confundate cu originalele la prima vedere.

Desigur, nu putem descrie întreaga evoluție a graficelor tipărite în câteva pagini. Dar de la primele experimente timide, gravura clasică uimitoare, gravura olandeză, excelentă, absorbind toată priceperea tipografilor și artiștilor gravurilor color din secolul al XVIII-lea, fototipurile și autotipurile multicolore ale secolului al XX-lea, toate sunt exemple uimitoare ale artei. a Evului Mediu și a timpurilor moderne.

Începând cu secolul al XV-lea și abia în secolul al XIX-lea au început să fie folosite scânduri de oțel. Mai bogat și mai variat ca model tonal. Desenul este tăiat în metal. Barma - proeminențe, așchii. Bosch. Imprimat sub presiune. Pe metal, puteți face mai puține caneluri de aproximativ 100, și nu 1000, ca la gravurile în lemn. O imprimare este o amprentă.

Gravura chimică - Vârfă uscată. Acțiunea vopselei este sporită cu acid. Este zgâriat pe o placă de cupru. Linii cu margini neclare, formate datorită barmei. Efectul este mai moale. Se pot realiza maximum 10 printuri.

Gravurare - o placă de metal este acoperită cu un strat de pământ special (asfalt, ceară), încălzit, afumat. Metalul este zgâriat până în punctul de îndepărtare a lacului. Apoi placa este tratată cu acid, care nu interacționează cu lacul, ci interacționează cu metalul. Prin urmare, la imprimare, apare un model perfect uniform, linii, tabla poate fi gravată și imprimată foarte mult. Oferă perspective de lumină-aer. Folosit în peisaje.

· Gravura + Vârfă uscată. Rembrandt

Lac moale. secolul al 17-lea La lac se adaugă grăsime animală. Hârtia este suprapusă pe o placă metalică, se face un desen pe ea, iar din presiunea și câmpul de gravare va rezulta un desen moale, catifelat.

· Aquatita - 1765. (Jean Baptiste Lenprince) Sfârșitul secolului al XVII-lea-XVIII. Proprietate pitorească a graficii. După gravare, un grund special, grundul este spălat și pudrat cu pudră de asfalt. După încălzire, se topește. Apoi este din nou murat și acidul corodează porii asfaltului. Pentru o lumină și mai întunecată, este gravată și acoperită din nou, iar lumina este lăcuită. Thomas Malton

Mezzotint (de la sfârșitul secolului al XVII-lea) - Maniera Neagră. Ludwig Won Sigingmund. Fundal Porter Amily. Placa este pregătită cu unelte speciale care răzuiesc metalul, cu cât sunt mai multe crestături, cu atât este mai închisă apoi cu un cuțit, crestăturile sunt lustruite, unde va fi linia albă. Francisco Goya. Doar desen tonal.

· Mezzotint + gravura

Aquatita + gravura. Richard

· Litografia (gravura pe piatra) Desenul este acoperit soluție uleioasă. Gravura plată în ulei.

Istoria gravurii

· Din secolul al XIV-lea până în secolul al XVIII-lea – tehnica picturii. Grafică auxiliară. Birou (sec. XIV) Schițe.

· Secolul al XV-lea - cartoane, care au fost create în dimensiuni reale ale imaginii, din care desenul a fost transferat de pe carton pe perete de-a lungul grilei. Rembrandt. Pastel

Imagini independente din punct de vedere grafic

A. portrete

b. peisaje

secolul al XVIII-lea - strict,

Secolul al XX-lea - gravură în lemn, gravură (Van Gogh). La începutul secolelor al XIX-lea și al XX-lea, grafica se schimbă. Impresioniștii au creat pointelismul (din cuvântul francez - pointe

Gravura este una dintre cele mai vechi și nobile moduri de a decora lumea înconjurătoare, care sunt cunoscute doar de om. Este suficient să ne amintim arta rock - acestea au fost primele încercări ale unei persoane de a sculpta un desen pe o suprafață dură.

În articolul nostru vom vorbi despre afacerea cu gravură. Să vorbim despre direcțiile acestei măiestrie, despre produse și creatorii lor. Dar să începem cu istoria...

Istoria gravurii

Se crede că gravura ca artă a apărut acum aproximativ trei mii de ani, în China. Chiar și atunci, meșterii au sculptat diviziuni și modele complicate pe cadranele cadranelor solare. În ciuda faptului că frezele moi din acea vreme nu erau potrivite pentru prelucrarea oricăror materiale dure și erau de puțin folos chiar și pentru lucrul cu metale pretioase, bijutierii antici au reusit sa creeze adevarate opere de arta.

Cadran solar grecesc

Gravura a devenit mult mai ușoară după ce meșterii greci au descoperit călirea fierului în secolul al VII-lea î.Hr. După aceea, shtikheli - adică. frezele folosite de gravor au abordat probele moderne în duritate, iar meșterii s-au putut concentra pe deplin pe latura creativă a procesului.

Deja în secolul al IV-lea î.Hr., gravura era folosită peste tot: la fabricarea cântarelor liniare pentru ceasuri cu apă și a plăcilor pentru busole (analoage cu o busolă modernă), pentru a crea bijuterii și medalii. În plus, în Grecia antică iar Roma a gravat vase decorate și articole de uz casnic, iar gravorii caucazieni au acoperit topoare de luptă și alte arme cu imagini gravate cu animale.

Exemple uimitoare de gravură lăsate de maeștrii Rusiei antice. Încuietorile pavlovie pentru sicrie sunt deosebit de interesante. Acestea sunt figurine de bufoni și călăreți, lei și sirene, macarale și păsări ciudate decorate cu modele iscusite.

Gravura pe obiecte din aur a fost populară în Egiptul antic, Siria, Mesopotamia și alte țări din Est. În Evul Mediu, exista o tradiție de purtat Bijuterii inscripții comemorative.

Inele tipărite rusești, secolul XV-XVI

Inele, broșe, pandantive, brățări, sicrie, precum și orice lucrări de artă de bijuterii au fost decorate cu inscripții.

Cu toate acestea, gravura a devenit cu adevărat solicitată în întreaga lume abia după o mie și jumătate de ani - la mijlocul secolului al XI-lea. Era epoca cuceririi oceanului, iar busolele și cronometrele create de gravori pricepuți au jucat un rol important în ea.

Istoria gravurii în Rusia

Șase secole mai târziu, moda gravurii a venit în Rusia, odată cu marile reforme ale lui Petru I. Anterior, doar coperțile de cărți din lemn și unele obiecte de uz casnic erau masiv decorate cu gravură. Adevărata ascensiune a artei gravurii a avut loc în secolul al XVIII-lea și din nou datorită dezvoltării științei: Academia RusăȘtiințele aveau nevoie de o mulțime de instrumente goniometrice precise.

Carte cu coperta din lemn sculptat

Interesant este că, în aceeași perioadă, gravura a devenit solicitată în rândul populației: „Fryazh sheets” - gravuri tăiate pe cupru și lemn - au decorat casele comercianților și aristocraților. În plus, gravurile erau folosite ca foi de felicitare sau mesaje comemorative.

frunza Fryazh

În secolele XVIII-XIX, gravura era folosită pentru a decora armele: picturile iscusite pe oțel lucios la rece erau cartea de vizită a multor armurieri.

Arma de Paul Poser

Gravura în URSS

Odată cu venirea la putere a bolșevicilor, mulți bijutieri au fost persecutați, iar bunurile de lux au fost considerate o crimă împotriva ideologiei. Cu toate acestea, schimbarea puterii a influențat dezvoltarea afacerii de gravură... pozitiv. Da, da, iar știința.

Deja în 1922, creatorii noii ere aveau nevoie de o cantitate imensă de grile, cântare, membre și diverse piese pentru dispozitive. Iar în 1926, odată cu înființarea unui laborator de fotografie științifică, a devenit evident că cererea de gravori nu va face decât să crească.

Trebuie remarcat faptul că în acești ani abilitățile de gravură au atins un nou nivel: folosind metode combinate și fotografice, bijutierii puteau aplica simboluri și diviziuni cu o acuratețe incredibilă.

Tehnici de gravare a bijuteriilor

Conform tehnicii de execuție, gravura bijuteriilor astăzi este manuală, frezarea (inclusiv gravura cu diamante) și laserul, se folosește și gravura acidă.

Gravura manuală în bijuterii nu este în niciun caz o inscripție pe un produs metalic, care se va face în orice centru comercial. Instrumentul pentru gravarea manuală este gravorul deja menționat. În producția modernă, un artist-designer realizează un model 3D al unui produs - o astfel de muncă necesită multe cunoștințe, abilități și experiență.

Artistul lucrează prin toate cele mai mici detalii și numai după aceea produsul este decupat cu echipamente moderne. Dar chiar și după cea mai precisă tehnică, maestrul rafinează manual fiecare desen. Aici, abordarea este mult mai serioasă, iar rezultatul muncii va putea evalua nu numai clienții-cumpărători, ci și colegii profesioniști.

Gravorul nu are dreptul de a greși: orice tremur al mâinii poate strica irevocabil produsul. Gravura manuală este „lucrare de bijuterii” în cel mai adevărat sens al cuvântului. Astăzi, gravorii lucrați manual fac ceea ce au făcut predecesorii lor cu mii de ani în urmă. Bijuteriile gravate manual sunt cu adevărat unice, nu există alta ca ea în întreaga lume.

Puteți prelucra obiecte cu o freză sau cu un tăietor. Există o mare varietate de mașini de frezat și atașamente pentru acestea: de la notoriul burghiu până la mașina de gravat cu frezat cu diamante. Dispozitivul de tăiat cu diamant lasă gropi adânci pe patru fețe pe suprafața produsului, creând o imagine tridimensională exclusivă.

Creatorul casei de bijuterii „Kvashnin” a lansat un numar mare de Instrument de gravare a bijuteriilor brevetat de Rospatent. Acest echipament face posibilă efectuarea celor mai complexe lucrări de bijuterii, gravarea premiilor de decorare, medalii, cupe.

Adevărata descoperire a modernității este gravarea cu laser. O mașină specială este programată pentru a aplica o anumită imagine, după care o piesă de prelucrat este plasată în ea. Laserul vaporizează particulele de metal, schimbându-și structura și culoarea, rezultând o imagine clară din punct de vedere fotografic. Deosebit de populară este gravarea cu laser pentru fabricarea de bijuterii religioase, în special icoane purtate.

maeștri gravori

Odată cu înflorirea abilităților de gravură în Rusia, o întreagă galaxie de gravori demni a fost crescută la monetăriile din Leningrad și Moscova (și mai târziu, în secolul al XX-lea, la Gokhranul Rusiei). În articolele noastre puteți citi în detaliu despre maeștrii diferitelor secole și aici vom atinge istoria vieții și munca a trei gravori deosebit de remarcabili, fiecare dintre aceștia a contribuit enorm la dezvoltarea bijuteriilor rusești.

Ivan Alekseevici Sokolov

Ivan Sokolov s-a născut chiar la sfârșitul domniei lui Petru I. A devenit unul dintre cei mai remarcabili maeștri ai gravurii din istoria Rusiei imperiale. Viitorul „artist cupru” a studiat la cursurile de artă la Academia de Științe din Sankt Petersburg: desen cu Schumacher, gravură cu Christian Albert Wortman și Ottomar Elliger.

În 1745 Ivan Sokolov a devenit maestrul șef al Academiei. În următorii 12 ani, el a pregătit mulți gravori și a făcut totul pentru a se asigura că arta gravurii din Rusia nu era în niciun fel inferioară realizărilor bijutierii occidentali.

Sokolov însuși a fost un mare maestru al portretelor ceremoniale - picturi sculptate care repetă originalele picturale. Sokolov a reușit să obțină un realism incredibil al materialelor și obiectelor descrise în lucrările sale: a transmis cu exactitate textura mătăsoasă a blanii și strălucirea moale a țesăturilor scumpe, reflexele reci ale metalului și liniile moi de păr. Fiecare dintre lucrările lui Ivan Sokolov nu a fost doar o reproducere a unui tablou, ci o adevărată operă a artei de gravură a autorului.

Mihail Evlampievici Perkhin

Mihail Perkhin provine dintr-o familie de țărani care, pentru serviciile prestate Patriei, erau scutiți de servicii și taxe. La vârsta de 18 ani, Mihail a plecat la Sankt Petersburg pentru a lucra, a intrat în ucenicia unui bijutier și și-a conectat pentru totdeauna viața cu „meșteșugul de aur”. Deja la 26 de ani (1886), a primit înaltul titlu de maestru și a fost invitat să lucreze în atelierul Faberge.

Mihail a fost un adevărat geniu în bijuterii: doar doi ani mai târziu și-a deschis propriul atelier, a devenit maestrul șef al Faberge și a primit dreptul la un brand personal: inițialele „M. P.". Cu acest semn distinctiv sunt împodobite 28 dintre cele 54 de ouă imperiale de Paște, inclusiv lucrări celebre precum:

• "Boboc de trandafir";
• „Palatele Danemarcei”;
• „Trans-Siberian Express”;
• "Crin alb";
• „Călăreț de bronz”;
• „Palatul Gatchinsky”, etc.

Mihail Evlampievich Perkhin a fost maestrul șef al casei Faberge timp de 18 ani. În acest timp, el a devenit o adevărată legendă a bijuteriilor rusești în general și a gravurii în special.

Anton Fiodorovici Vasiutinski

Dacă vorbim despre dezvoltarea artei medaliilor în Rusia, atunci prima persoană care merită amintită va fi Anton Fedorovich Vasyutinsky. Acest maestru a absolvit Academia de Arte în 1888, iar deja în 1891 lucrările sale - medalii prezentate la o expoziție la Paris - au primit o Diplomă de Onoare.

Din 1893, Vasyutinskiy a fost medaliat senior la Monetăria din Sankt Petersburg. În 1920, a devenit asistent manager al Medaliei și părților auxiliare (în mod firesc, monetăria devenise deja Leningrad), în 1922 - manager, iar în 1926 - medaliat șef.

Deși maestrul a lucrat în Imperiul Rus pentru cea mai mare parte a vieții sale (de exemplu, din sub mâna lui a ieșit rubla jubiliară pentru cea de-a 300-a aniversare a dinastiei Romanov în 1912), el a adus o contribuție foarte mare la dezvoltarea a gravurii în URSS.

Vasyutinsky a fost cel care a făcut totul pentru a se asigura că un departament de medalii a fost deschis la Academia de Arte. Studenții săi au fost N. A. Sokolov, V. V. Golenetsky, S. L. Tulchitsky și alți maeștri remarcabili. De fapt, Vasyutinsky a creat o întreagă școală de medaliați ruși.

Printre lucrările personale ale lui Vasyutinskiy, se pot remarca ștampilele pentru monedele URSS: 10, 15 și 20 de copeici, argint 50 de copeici și rubla, chervoneți de aur. De asemenea, a fost unul dintre maeștrii care au lucrat la crearea ștampilei Ordinului lui Lenin.

Gravura de bijuterii astăzi

Gravura rămâne cea mai mare cel mai bun mod a face un ornament sau un suvenir cu adevărat unic, pentru a-i conferi o valoare aparte. Această tehnică este utilizată pentru a aplica inscripții și desene pe:

• Inele;
• tablete;
• lacăte de nuntă;
• Sicrie;
• Medalii;
• inele;
• Ceas;
• Bratari;
• Pandantive, coliere și alte bijuterii.

Sunteți în căutarea unor gravori foarte profesioniști? Doar la casa de bijuterii „Kvashnin”: putem realiza un model de orice complexitate: calitatea rezultatului și valoarea sa artistică ridicată vă vor permite să păstrați produsul cu trepidație și să-l transmiteți din generație în generație.

Tradiția leagă originea gravurii pe cupru cu tehnica niello. Termenul „niello” înseamnă o tehnică folosită de bijutieri încă din Evul Mediu; atunci când lucrați pe produse din metal sau argint, inclusiv plăci destinate decorarii cu niello, suprafața metalului cu un model aplicat, tăiat adânc, a fost acoperită cu pulbere neagră. Constând din sulf și alte componente, această pulbere a fost numită cuvântul latin „nigellum”. Placa de metal a fost încălzită, iar masa neagră topită a umplut canelurile adânci ale modelului lăsat de tăietor. După răcirea produsului, părțile în exces ale „nigellum” întărite au fost îndepărtate, iar modelul s-a evidențiat clar pe suprafața metalului cu contururi negre subțiri, dând lucrării un caracter finit și prețios. Aparent, înainte de a trece la ultima etapă a lucrării cu „nigellum”, artiștii, în efortul de a verifica rezultatul dorit, au umplut canelurile liniilor tăiate în adâncimea desenului cu cerneală sau vopsea închisă la culoare și apoi au făcut testarea. se imprimă pe hârtie umedă. Așa s-au obținut primele gravuri, la început aleatorii. Giorgio Vasari, un pictor, arhitect și eminent istoric de artă italian, atribuie invenția lor maestrului florentin Maso Finigverra, datând nașterea gravurilor niello în 1460. Cu toate acestea, afirmația lui Vasari este greu de crezut. Multe gravuri pe cupru care au apărut în Italia la mijlocul secolului al XV-lea, și chiar mai devreme în Germania și Țările de Jos, nu s-au putut datora unui singur maestru; probabil, astfel de mostre pe hârtie au apărut în mod natural în multe ateliere de bijuterii. Printre lucrările timpurii de acest tip, care au ajuns până în vremea noastră, se remarcă câteva gravuri în miniatură, care, după spusele cercetătorului italian Mary Pittaluța, își datorează „farmecul prețios” dimensiunilor reduse și distanței apropiate dintre linii.

Pe suprafața minusculă a gravurii „Adorarea magilor” (115 x 105 mm), se încadrează treizeci și două de figuri ale participanților la procesiune, amintind din punct de vedere compozițional de frescele lui Benozzo Gozzoli din Palatul Medici-Riccardi din Florența (1459 - 1463) - Creatorul gravurii nu cunoaște încă legile perspectivei liniare, instinctul decoratorului îl atrage la umplerea spațiului - și țese, ca un model, alaiul magilor de jos în sus, de la dreapta la stânga. Din adâncurile întunecate ale „niello” ies luminoase, cu umbre ușoare figurine ale Mariei, Iosif, regii magicieni și destul de departe - călăreți, cai, cămile și chiar păstori - personaje ale unei alte intrigi, „Adorarea păstorilor”.

Și mai fin și mai delicat este portretul lui Bentivoglio înscris în cerc. Trăsăturile delicate, un profil delicat, o expresie tristă sunt în armonie cu culorile care apar în jurul figurii tinere. asemănat cu prețios Bijuterii gravura seamănă cu un medalion hăituit.

„Niellos” grațioși se caracterizează prin forme luminoase care ies din întuneric. Acesta ar putea deveni un fel de canon pictural, dacă dorința de a înconjura obiectul cu un mediu spațial care a apărut în Renaștere nu i-a determinat pe primii maeștri gravori să abandoneze fundalurile întunecate și să folosească posibilitățile artistice ale hârtiei albe.

Tipul niello, cu fundalul său negru, și-a găsit dezvoltarea ulterioară la Bologna în a doua jumătate a secolului al XV-lea și începutul secolului al XVI-lea în opera lui Pellegrino da Cesena.În termeni pur decorativi, ca un model alb pe fond negru, după ce a pierdut legătura sa cu niello, continuă să trăiască în secolul al XVII-lea.

Una dintre primele capodopere ale artei noi este considerată a fi „Portretul unei doamne nobile”, păstrat într-un singur exemplar în colecția Cabinetului de gravură din Berlin. Gravura pe cupru a fost realizată de un maestru al școlii florentine; datează din anii 1440-1450. Doar un bijutier, care lucrează cu atenție în forme mici și pe materiale scumpe, ar putea trasa o linie atât de curată și elegantă precum conturul profilului unei doamne. Rochia ei, colierul prețios, hainele sunt pline de ornamente fin concepute. Și acest model complex ar putea fi, de asemenea, recreat doar de un aurar priceput. Principalul efect artistic al acestei lucrări se află în opoziția suprafețelor curate ale feței și gâtului, limitate de un singur contur, la suprafețele proiectate decorativ ale coifului, colierului și rochiei. În același timp, farmecul său deosebit păstrează urme ale contactului priceperii bijutierului cu marea artă a Renașterii timpurii. Fără îndoială că această gravură poartă amintirea celebrelor portrete de profil care au apărut din atelierele pictorilor Domenico Veneziano și Paolo Uccello.

Pe lângă „Portretul unei doamne nobile”, trebuie menționate câteva gravuri italiene timpurii, care arată clar influența fructuoasă a artei renascentiste a Florenței asupra dezvoltării gravurii italiene. Compoziția „Învierea lui Hristos”, cunoscută din un singur tipărit din colecția Muzeului Britanic din Londra, repetă direct relieful lui Luca della Robbia pe aceeași parcelă, comandat în 1443 pentru Catedrala din Florența Impactul realismului dur al lui Andrea del Castagno se regăsește de câteva foi gravate de anonimul Maestru al Patimilor din Viena. Chiar și în gravuri precum „Hristos în slavă” (singurul exemplar din colecția grafică a Galeriei Uffizi) și „Înălțarea Mariei”, cu ornamentația lor intensă, trăsături ale structura compozițională, echilibrul și corelarea clară a formelor nu pot fi imaginate în afara descoperirilor artei noi.